Chvrches (произносится как «churches») — шотландское синти-поп трио, образованное в 2011 году. Когда вышел новый альбом, получивший название «Love is Dead», о нём очень хорошо отзывался один мультифандомный паблик, вкус с которым у меня в большинстве случаев совпадает. То, что это синти-поп, я поняла уже после того, как скачала весь альбом и почитала про группу. Если бы я просто выбирала альбомы из списков новинок и по всяким топам и чатам, как обычно это делаю с поп-музыкой, то яркая неоновая и сумбурная обложка и синти-поп, указанный в жанрах, заставил бы пройти мимо, так как это вот совершенно не моё, поэтому включала я этот альбом без какого-либо энтузиазма. Синти-поп мне не нравится, поэтому поначалу жанр меня очень расстроил, и я подумала, что зря потрачу на него время, но, прослушав альбом, я поняла, что пластинка мне неожиданно понравилась. Назвав свой альбом «Love is Dead», — этим коротким и бескомпромиссным заявлением, - группа в моей голове логично поставила для себя задачу такой работой либо доказать это, либо опровергнуть, но получила я несколько иное послание. ⠀ Помимо музыки, которая в некоторых песнях мне нравится, а в некоторых нет, я зацепилась и обратила внимание больше всего, конечно, на тексты песен. Группа опирается на простые рифмы и часто использует очень простые повторы в своих стихах, поэтому тексты песен кажутся несколько слабыми, но при этом не тупыми. Может быть это специальный такой приём упрощения для усиления сообщения, которое хотела передать группа, потому что песни цепляют именно своей лёгкостью, а поётся там о всяком важном и насущном, вроде взросления, расставания, лицемерия, предупреждения религиозным фанатикам по типу «не плюй в колодец», осуждения людей, живущих по принципу «моя хата с краю», и политическому истощению. Тексты песен неустанно ищут свет в темноте, с их простотой поражает та настойчивость, с которой они отстаивают то, что правильно и призывают никогда не закрывать на происходящее глаза, и все темы альбома выглядят не как рассуждения о любви в типичном её понимании, а о некой иной её форме, очень знакомой нам, но постоянно нами игнорируемой. Тексты песен выглядят как борьба с атрофированными эмоциями, при этом сам альбом звучит как что-то неприступное и оборонительное, хотя к финалу пластинки наступает необходимая мягкость и оборона ослабляется. Часть песен в пластинке посвящена разным видам дискриминаций и безразличию общества к мировым проблемам, а чтобы сильнее пробиться к сердцам апатичного поколения, тексты песен «выпускают когти» и «кусаются» («Вам когда-нибудь было интересно, что мы усвоили? Мы поднимаем наши бокалы, танцуя на пепле, пока он горит. Мы в раю или аду?»), но иногда умудряются сочетать в себе параллельные темы, касающиеся преувеличения своих способностей и рассуждений о своей беспомощности изменить мир к лучшему, что ближе всего соотносится с названием альбома: любовь умерла, а вместе с ней нет смысла творить добро. Саму музыку я бы описала как что-то «частично облачное», где тоскливые тексты песен уравновешиваются с музыкальными проблесками света, проникающими сквозь него, но сильнее всего группа выделяется, разумеется, своим сочетанием синтезированной музыки с высоким пронзительным вокалом солистки. ⠀ Помимо относительно злободневных метафор, на альбоме присутствуют меланхоличные песни, повествующие про ускользающие время и юность, наивность которых позволяет смело разбирать их на ванильные цитаты («Мы писали свои имена на стенах ванных комнат. Рисовали наши сердца на спинках сидений. Всю жизнь я ждала, когда вырасту, но теперь этого никогда не случится»), но даже несмотря на это, лишь песня «Miracle» очевидно выбивается из всей общей работы и направлена именно на радио, поэтому и имеет такое схожее звучание с Imagine Dragons, чтобы понравиться большинству. В альбоме нет революционных хитов, способных изменить мир, но его банальность и лёгкость заставляет задуматься о вполне серьёзных темах, не напрягая, так что можно считать, что определённый успех достигнут. В целом тексты явно не хотят переступать определённую черту, поэтому в песнях отсутствует острый самоанализ и прямая насмешка, — пластинка слегка кусает, но не откусывает. Весь альбом очень холоден, ему не хватает тепла, уюта и эмпатии, поэтому я жду следующую работу лишь из-за надежды, что группа спустя время докажет и покажет то, что действительно вдохновляет в моменты трудностей, никогда не обходится без любви.

AJR – инди-поп коллектив из Нью-Йорка, образованный в 2005 году тремя братьями-мультиинструменталистами Адамом, Джеком и Райаном, — название группы сложено из первых букв имён парней. Я начала слушать этот альбом, потому что перепутала эту группу с другой группой, поэтому очень удивилась поначалу, услышав незнакомый (и знакомый одновременно) голос. То, что я услышала, мне понравилось, но, судя по отзывам, много людей ругали новый альбом и очень хвалили старый, причём некоторые довольно грубо отзывались об этой новой работе, а я, естественно, понятия не имела, что такого было в предыдущем альбоме. Потом, правда, я и по предыдущей работе «The Click» пробежалась, сильно не вникая, конечно, но всё равно даже частично не поняла, потому что они ничем не отличаются, - то есть у группы в творчестве стабильно всё хорошо и никакой «деградации» я не услышала. Зато я наконец-то узнала группу! И поняла, что знакома с ней, и вы, скорее всего, слышали их «Weak». Первые впечатления от самой группы поначалу разделились. Обложка альбома (я ведь ждала совершенно другой коллектив, у которого другие фишки) мне показалась слишком детской и неподходящей и после прослушивания пластинки осталась при своём мнении — мне обложка не нравится, но её «незрелость» обрела свой смысл. Зато от самой группы остались ощущения, что это какое-то дитя любви групп Fun и A Great Big World — «жизнерадостное инди», как я называю их у себя в голове. Даже голоса исполнителей очень похожи между собой и, наверно, я бы перепутала AJR с ними, если бы услышала их где-нибудь по радио. К тому же в группе чувствуется попытка в «Twenty One Pilots», но ребята проигрывают им в плане текста, как по мне, зато голос местами очень сильно напоминает Тайлера Джозефа. ⠀ Новый альбом получил название «Neotheater» и, в целом, это получился разнообразный не только с музыкальной, но и эмоциональной точки зрения проект с одной основной темой, в которую действительно вложили много сил. Хотя тексты песен лирически слабоваты, основная тема треков пропитана неуверенностью в себе — это истории, когда ты налажал, про страхи, неудачи, сомнения, ошибки, иногда констатация факта и смирение с этим (например, в «Break my face» он поёт, что он урод, а реакция — ну ок), но музыка создаёт приятную, эффектную атмосферу, которая не позволяет тебе по-настоящему расстроиться от того, какой ты на самом деле лох. Песни построены так, что ты просто соглашаешься со всеми формулировками альбома, признаёшь в себе то, что ты совсем не уникальный, а темп музыки не позволяет тебе расстроиться от своей никчёмности. Тебе просто весело, забавно, прикольно, а настроение колеблется на игриво-печальном, не давая как развеселиться и разнести всё, так и упасть в экзистенциальный кризис (при условии, что знакомы или понимаемы тексты песен, без них остаётся лишь настроение плясать). ⠀ В альбоме было два переломных момента, где настроение почти упало, хотя атмосфера и шаблон текстов песен не изменился, медленный темп создал настроение грустной баллады, но это настроение кончилось так же быстро, как и сама песня, потому что группа вернулась в свой танцевально-радостный музыкальный стиль. Первая серьёзная песня с медленным темпом была «Turning Out Pt. II», которая стала продолжением «Turning Out» с предыдущего альбома, где вторая часть фокусируется на последствиях. Другая серьёзная песня получила название «Dear Winter» и посвящена будущему ребёнку с точки зрения отца, который через лёгкий юмор даёт ему жизненные советы, но хочет сперва найти его маму, чтобы он действительно мог стать отцом, — это один из самых душевных, простых и милых треков, что я когда-либо слышала. Помимо определённых настроений, тексты песен несут как позитивные сообщения, так и социальные комментарии. Напрямую композиций, посвящённых действительно очень серьёзным темам, нет, но большинство таких тем тонко вплетено в тексты всех песен, вроде небрежно и как бы мимоходом брошенных фраз, что одновременно и не напрягает, и заставляет задуматься. ⠀ Очень много композиций посвящено или касается тем детства и взросления как такового: как с одной стороны «Birthday Party» напрямую написано от лица новорождённого ребёнка в больнице, так и с другой «Don't Throw Out My Legos» звучит как ода утраченной невинности, да и сама «Next Up Forever», отрывающая альбом, рассказывает нам о страхах взросления. Взрослеть страшно и тяжело, но это не значит, что это не может быть весело. Группа отнеслась ко всем темам, поднятым в альбоме, с юмором и беззаботностью. Так «100 Bad Days» звучит как готовность к потенциальным трагическим событиям, которые потом могу изменить жизнь, в «Break My Face» они перебивают Ницше («всё, что тебя не убивает, делает тебя уродливым») и по-другому обыгрывают знаменитое выражение «если жизнь даёт тебе лимоны, по крайней мере, она хоть что-то тебе дала», полное отсутствие отдачи от «Karma» («я ведь вёл себя хорошо, так где моё вознаграждение, моя удача?») превратили в жизнерадостную песню, а с помощью трека «Wow, I'm Not Crazy» подтолкнули к взаимному сосуществованию со своими странностями (наше любимое «ого, я думал, я один такой!») или даже к принятию психологической травмы («я, честно говоря, боюсь клоунов и вечеринок»). ⠀ Размах и подход к музыке (вы хотя бы послушайте, с каким музыкальным объёмом открывается альбом на «Next Up Forever») звучит как что-то то ли из диснеевских мультиков, то ли из бродвейских шоу, и я искренне не понимаю, за что фанаты группы ненавидят этот альбом. Если дело в текстах песен, которые слишком поверхностны и легко читаемы, то они и раньше писали что-то подобное, а если в музыке, эксперименты в которой якобы не принесли ничего экстраординарного и что-то там повторялось, так у нас существуют на инди-поп нише Imagine Dragons, которые опустошили каждую музыкальную фишку, и теперь любой эксперимент всегда похож на «драконов». Да и, как я сказала выше, сама группа — это музыкально гибрид нескольких инди-групп, где сравнение с «Twenty One Pilots» уже должно было уничтожить коллектив, потому что он явно проигрывает, но есть в нём что-то. Мне понравились не только некоторые музыкальные фишки альбома, но и то, что у авторов текстов в голове, потому что мне знаком этот страх — быть взрослым. Я уверена, что там есть и уникальный скрытый смысл, если разобрать песни по буквам, и посыл какой-нибудь невероятный, — и всё это в доле того, что я не поняла из-за разницы в менталитете и из-за языкового барьера, но мне достаточно того, что на поверхности, — иногда надоедает копаться в треках и думать, что хотел сказать этим автор. Не знаю, эта простота и доступность текстов показалась мне забавной и милой, да и в целом после прослушивания чувствуешь себя словно частью розыгрыша, который устроили AJR, а это поднимает настроение.

Мне уже давненько не попадалась музыка, в которой «можно было спрятать свои слёзы». Если без шуток, то сейчас редко встретишь хорошие успокаивающие работы, которые нарисуют вам картину простоты и безмятежности и окунут в ностальгическую атмосферу, которая не вскроет старые раны, а наоборот подарит ощущение умиротворения. The Paper Kites – австралийская инди-фолк группа, образованная в 2010 году. В прошлом году коллектив выпустил сразу две работы, одна получила название «On the train ride home» и состоит из восьми композиций, а вторая «On the corner where you live» является продолжением первой и состоит из одиннадцати песен. По первому прослушиванию группа создала впечатление, что её работа целиком и полностью связана с персонажами, созданием истории и общении со слушателем, а не погоней за рейтингами. ⠀ Помереть от красоты можно уже на стадии просмотра обложек альбомов. Я не знаю, кто автор, но это потрясающие рисунки, на которые можно смотреть бесконечно, а ещё они идеально настраивают на атмосферу альбома. Первая пластинка мгновенно обволакивает тебя и создаёт впечатление путешествия, успокаивающего и мечтательного. Если выбирать из двух альбомов, то второй мне понравился больше, когда первый кажется прелюдией — работами, которые вряд ли бы вошли во второй альбом, но казались слишком хорошими, чтобы не выпускать их совсем. Песни искренние и короткие, поэтичные, но простые, словно висящие в воздухе, а пауза между композициями служит неким «личным пространством», в котором ты успеваешь остаться наедине со своими мыслями и поразмышлять. ⠀ Второй альбом мгновенно втягивает в свой мир, открываясь простой, но невероятной красоты интерлюдией, которая сразу настраивает на нужное настроение: звуки городской улицы, проезжающий мимо поезд, фортепьяно, саксофон, ощущение, будто альбом нужно обязательно слушать в полночь. Тексты песен простые и сложные одновременно, кажется, что это просто набор словосочетаний, которые вроде не имеют никакого смысла, при этом ты всё равно понимаешь, что они близки тебе. Этот концептуальный альбом, который получился приятным, вдумчивым и душевным, использует всякие лирические приёмы, которые визуально создают вокруг тебя обстановку, как будто ты смотришь в окно на ночной город, и тебе хочется слушать этот альбом именно вечером, когда город «горит». Огни — самая яркая фишка этого альбома. Фонари и цвета используются не только в названиях треков, но и «зажжённый в домах свет» тянется через каждую песню. ⠀ После заглавной композиции альбом немного меняет ритм и выбивается из настроения: главная песня внезапно зазвучала оптимистично и создала ассоциации с 80-ми. Да и через весь альбом почему-то чувствуются неоновые огни и атмосфера 80-х, хотя без стереотипного размаха. Группа словно подвержена какому-то тёплому ностальгическому настроению, поэтому их музыка лишена роскоши, эпичности и ухищрений, наоборот музыка богата теплом и человечностью. Пластинка поддерживает настроение поздней ночи, ты отправляешься в путешествие, и слушать её лучше, конечно, вечером, от начала и до конца, вдумчиво и в наушниках. Ты словно погружаешься и наслаждаешься открывшимся тебе пространством и атмосферой. Треки простые, в лёгком темпе, приглушены и даже сонливы, они полны тоски и романтики, но при этом не доходят до меланхолии. Песни не так очевидны, как может показаться при первом прослушивании. Кульминации многих треков не показываются в полном объёме и масштабе, не волнуют, не ударяют полной силой, они подкрадываются к тебе незаметно, чтобы застать тебя врасплох, а потом растворяются. Мелодии песен заставляют расслабиться и оказывают успокаивающее воздействие на душу. ⠀ Альбомы расскажут вам истории про усталых, влюблённых, одиноких, неуверенных персонажей, которые при этом звучат универсально. Это истории о людях, чувства, мысли, переживания которых спрятаны в крохотных квартирах многоэтажек. Честно говоря, писать о таких альбомах оказалось крайне сложно, — я не думала, что смогу выразить словами хотя бы часть эмоций, которые вызвали у меня эта работы, ведь концепция остаётся близкой и понятной тебе, пока ты её слушаешь, но как-то только альбом заканчивается, всё куда-то улетучивается. Остаётся впечатление, что тебя поняли, что тебе помогли, посочувствовали, если потребуется, но выразить всё это почему-то не получается. Эту работу действительно стоит слушать наедине с собой и выносить свои выводы исключительно для себя. Пластинка прошла тихо и, насколько мне известно, не достигла огромных высот для русскоязычного слушателя. Насколько я понимаю, об этой группе даже не слышал никто прежде в масштабах мейнстрима, но в чём прелесть этой пластинки лично для меня — она даже спустя многие годы будет всё таким же ценным творчеством, с ним будет приятно встречать полночь и оставаться наедине со своими мыслями. Эта работа — очень трогательное горько-сладкое угощение, которое стоит попробовать.

4/5

Кажется, у каждой группы, исполняющей музыку в стиле «околометалкор» наступает такой момент, когда аудитория перерастает жанр, и группа, чтобы выжить, начинает стоять на развилке: ослабить звучание и выбрать путь Bring me the Horizon, потеряв уважение преданных фанатов, или делать тяжёлую музыку до конца, при этом со временем практически исчезнув с радаров масс-медиа. Вы видели соотношение просмотров клипов с тяжёлой музыкой и популярными исполнителями «для радио»? Я к «опопсению» отношусь хорошо, когда это сделано грамотно, качественно и, самое главное, постепенно, как это сделали те же «бринги»: каждый их альбом становился легче предыдущего, поэтому новая пластинка воспринялась как «ок, ну ладно», а не «что за фигня здесь происходит?!». По общей атмосфере, в целом, аудитория восприняла новый альбом «брингов» нормально, разве что «патлатые диванные метал-моралфаги» возмущаются, что «альбом плохой, потому что мне не нравится», но таких я перестала воспринимать всерьёз. ⠀ С новым альбомом The Amity Affliction, получившим название «Misery», дела обстоят странно, и мне кажется, что я сейчас поступаю лицемерно, так как он мне не понравился. Уже на второй песне, которая называется «Feels like I'm dying», я тоже почувствовала, как умираю, потому что настрой на альбом к концу песни теряется. Сначала ты удивляешься неожиданным экспериментам, за пару секунд проходишь через все стадии между «отрицанием» и «принятием», почти смиряешься с новым звучанием, но уже к середине песни тебе банально становится скучно. Неужели так и будет дальше? Эти пустые, ужасные, тусклые однотипные припевы. Альбом открывается ярко, медленно, осмысленно, но так ничего и не достигает. У «брингов», если и были повторы, то это были в основном большие куски текста, и, если повторы застревали в голове, как это и полагается, это не раздражало, то здесь это постоянно какая-нибудь одна бессмысленная строчка, либо вообще бесконечное «yeah-yeah-yeah», что сильно в плохом смысле цепляло меня весь альбом и каждый раз выводило из себя. ⠀ Напряг вокал, даже не количеством эффектов, а скорее, появилась какая-то ограниченность. Словно голос что-то удерживает, и я ещё могу принять эту сдержанность на экстрим-вокале, чтобы не разорвать себе всё, то когда чистый вокал пережимают, мне это непонятно. Голос застрял между «чистым» и «с хрипотцой», и для меня звучал в основном механически, безэмоционально. Я, конечно, ещё по синглу «Ivy (Doomsday)» понимала, что теперь чистого вокала будет гораздо больше, но что он будет такой механический, на «отвали», не ожидала. ⠀ В своё время я полюбила рок по двум причинам: во-первых, инструментальная музыка. Обычно группы пользовались настоящими, живыми инструментами, отсутствовала электроника в композициях, привычная мелодия была записана ручками или подручными средствами, а не синтезирована в программах. Именно поэтому я не могла так долго принять группы, которые стали намешивать живой инструментал с электроникой. Со временем я, конечно, оценила такие эксперименты, но, если группа всё ещё работает с живыми инструментами, она как-то ближе к сердечку. Во-вторых, это наличие осознанных куплетов и припевов с большим количеством текста, который часто либо цеплял и позволял найти в нём отражение себя, либо мог передавать какую-нибудь мощную и личную историю, которой ты проникался. Обычно на текст тратилось не меньше времени, чем на музыку, они редко позволяли себе сделать какой-нибудь однотипный повтор одной строчки и впихнуть это слушателю в качестве припева. Сейчас же на создание музыки и выбор биточка тратится куда больше времени, чем во вкладывание души в текст. Я знаю, что музыка нужна, чтобы зацепить, чтобы было желание послушать песню, но текст ведь тоже важен, особенно, если ты орал всю эту песню, как тебе больно, то почему ты в кульминации (читай: припеве) не выводишь свои эмоции до пика? Разве после «тунц-тунц-тунц» на припевах вам хочется разобрать песню по кирпичикам, прочитать между строк и понять её суть или всё-таки хочется просто элегантно подёргать ножкой, не вникая, про что он там орёт? Я уже давно не против электроники в пост-хардкорных группах, не против экспериментов, я против, когда этими самыми электронными элементами заменяют важные части песни. Послушайте тот же нашумевший «Pittsburgh», послушайте, какой там припев, какие там живые голоса, а не механические. ⠀ Многим нравится пост-хардкорное направление музыки в том числе из-за текстов. В их мрачности, жёсткости, но честности и открытости люди находят отражение своих эмоций. Песни с удручающими, но вдохновляющими текстами вкупе с тяжёлой, агрессивной музыкой помогают выплеснуть всё недовольство, не нанося физический вред ни себе, ни окружающим. По крайней мере, это всегда помогало мне. Треки получились не просто скучными и не запоминающимися, они получились однотипными и каким-то ограниченными. Более того, некоторые из них напоминают не только что-то, сплагиаченное извне, но и копию на самих себя. То есть, мотивчик (снова) того же «Pittsburgh» прорывался ещё в предыдущем альбоме, очевидно, ребята пытались повторить успех песни, но с новым альбомом, где они так лихо и с усмешкой над слушателями ломают границы жанра, делать отдалённые и кривые копии на самих себя, это дёшево. Так «Drag the Lake» напомнил мне гибрид «Pittsburgh» и «Ivy (Doomsday)», где последняя, чёрт возьми, находится в том же самом альбоме, а «Set me Free» похожа на песню из фильма «С глаз долой — из чарта вон», но общего у них только то, что куплет начинается с «I've been...», но меня всё равно позабавило, что песня напомнила об этом фильме. Кстати, там героиня Дрю Бэрримор сказала хорошую фразу, про которую я рассуждала выше: «Мелодия – это как увидеть кого-то в первый раз, физическое влечение, секс… Но потом, когда ты узнаешь человека, нужны слова, их история, всё, чем они живут, и только вместе они способны творить волшебство». ⠀ Альбом всё-таки не плохой, в него всё так же вложены душа, чувства и время. Тексты песен личные и эмоциональные, чистого вокала стало больше, но и экстрим-вокал никуда не делся, музыкальные эксперименты интересные и неожиданные, но мне потребовалось прослушать альбом четыре раза, чтобы почувствовать хоть что-нибудь и сформировать своё мнение, потому что альбом проносится мимо со скоростью света, не оставляя в тебе отклика. Группа выбрала дорожку постепенного «опопсения», но воплотила это в жизнь как-то слишком криво. Похоже, слушатели тяжёлых музыкальных жанров готовы были расстаться только с одной группой из своей копилки, но позволять каждой команде экспериментировать со своим звучанием не намерены. Я могу понять чувства тех, кто не любит, когда группа меняет жанр. Эксперименты — это хорошо, но когда уже сотая группа меняет привычный тебе жанр, а тебе хочется чего тяжёлого, ты вынужден отставлять эту группу в сторону и идти искать что-то на стороне. Такое происходит каждый год по несколько раз и уже почти не осталось групп, из-за которых ты полюбил тяжелую музыку, а есть лишь новые «зелёные» коллективы, которые ещё не познали себя, ещё не нашли свою фишку, поэтому их так сложно сейчас полюбить. Группа резко и сильно нарушила границы своего жанра, и, будь я специалистом в музыкальной индустрии, я бы не побоялась назвать новый альбом посредственностью, но это жестоко. Но, если мне захочется то, что я услышала на этом альбоме, я скорее обращусь к кому-то вроде I See Stars, а от The Amity Affliction мне хотелось больше The Amity Affliction.

Я очень долго оттягивала прослушивание альбома и всячески старалась избегать синглов, чтобы не портить себе общее впечатление от пластинки. Конечно, я сразу же поддалась и позволила послушать себе сингл «MANTRA», но на этом остановилась. Реакция от этого сингла оставила после себя ожидания, что новый альбом будет чем-то похож на That's the Spirit. Никто, и я в том числе, не ждал, что группа вернётся к тяжёлому звучанию, поэтому всплывающее везде «опопсели» я воспринимала нормально, ибо такая реакция сопровождает любую группу, которая хоть как-то была (или есть) связана с тяжёлой музыкой. Но то, что в действительности находится на альбоме, удивило всех. Само развитие группы напомнило мне систему светофора, где «красный» - это нашумевший «Sempiternal», укрепивший группу в нише мейнстримной ко-ко-кор-музыки, - агрессивный, жёсткий, не принимающий иного мнения. «Жёлтый» - это That's the Spirit – приготовься, сосредоточься, сфокусируй своё внимание: ты видишь, как что-то происходит вдалеке? Ты можешь попробовать, можешь ослушаться, наплевать на правила, но пеняй на себя, если что-то пойдёт не так. «Зелёный» – и весь мир создан для тебя. ⠀ Пластинка получила название «Amo», и все название треков, кроме сингла «MANTRA», написаны маленькими буквами, что сразу же вызвало у меня ассоциации с категорией музыки, которой я называю «странная и прекрасная», но для нормальных людей она носит название «эмбиента», «даунтемпо» и иже с ними. Это та самая музыка, которую либо прикрепляют в подборки околосуицидальных пабликов с мрачными и таинственными картинками, либо используют для видео в инстаграме, где угрюмо и печально смотрят на ночное небо, подставляют ладонь под холодный дождь, грустно качаются на качелях, мечтая улететь как можно выше, или делают уроки, потому что мама ругается. Мне нравится такая музыка, но я считаю, что её должно быть в меру и она должна быть с тобой наедине. Не менее повеселила и обложка пластинки. С первого взгляда на секунду обложка вызвала ассоциации с мужскими «семейниками» с принтом в «сердечко», и только потом, стряхнув своё «видение» я увидела диск в пакетике с этим самым принтом. После такого я поняла, что не стоит ждать от альбома второй версии That's the Spirit, нас ожидает что-то совершенно новое, а из «семейников» обложка внезапно материализовалась в сознании в вещественное доказательство. ⠀ Bring me the Horizon, наверно, единственные из представителей металкор-групп, которые показали, как правильно надо «попсеть». Каждый день создаются новые группы со своими фишками, появляются и скрещиваются разные музыкальные жанры, меняются подходы к записи песен и использованию инструментов, при этом предпочтение отдаётся лёгкой музыке, а любому коммерческому коллективу приходится подстраиваться под изменения в музыкальной индустрии, - это в наши «2007-е» тяжесть ценилась, сейчас другое время. «Бринги» меняли жанр постепенно, делая каждый новый альбом легче предыдущего, поэтому от Amo никто ничего уже не ждал, но я считаю, что между «That's the Spirit» и «Аmo» должна быть ещё одна переходящая пластинка, потому что новый материал ожидаем, но не настолько. ⠀ Новый альбом насыщен элементами танцевальной и электронной музыки, исключая несколько песен, которые являются отсылкой скорее к эре That's the Spirit, чем к старому творчеству «брингов», поэтому ожидаемого «камбека» (если вы, конечно, были настолько наивны и реально его ожидали) с тяжёлым альбомом не случилось, но меня поразило, насколько у ребят хорошее музыкальное чутьё, потому что они сунулись в чему-то новому для них и сделали вполне себе годный коммерческий продукт с интересными музыкальными экспериментами. При этом горькое ощущение «альбом хорош, но это словно не Bring me the Horizon», как это было с Linkin Park, отсутствует, настолько грамотно группа подвела слушателей к полной смене музыкального жанра. ⠀ Альбом очень музыкально разнообразен, он наполнен неожиданными аранжировками, всякими музыкальными фишками: тяжёлые гитарные партии интересно переплетаются с клубно-танцевальными битами, немного хип-хопа, оркестровые вставки, на фитах появились люди, при этом тяжёлые треки на альбоме тоже присутствуют. Не то, чтобы они прямо «рубили митол», но всё равно их наличие радует. Добавились интерлюдии, моя любовь к которым возникает, как петух клюнет, но мне по большей степени их наличие скорее не нравится, чем нравится, - иногда я не понимаю, в чём их смысл. ⠀ Разочаровывает огромное количество автотюна, да и местами вокал настолько обработан, что словно теряется среди этого нового музыкального разнообразия. Шутки, конечно, шутками, что Оливер не умеет петь и больше не тянет вокальные партии, но от этого становится больше страшно, чем смешно. Мне в голову с такой же проблемой сразу приходит Дэнни Уорсноп, вокалист Asking Alexandria, голос которого так сильно сел после стольких лет экстрим-вокала, что у меня иногда мелькает удивление, каким ясным и чуть ли не кристально-чистым был его голос вначале карьеры. Но Дэнни вылечил больное горло и раздолбанные связки, нормально поставил оставшийся грубым, с хрипотцой, голос, что «аскины» возмужали и из визгливых патлатых пареньков почти превратились в мужчин, а старые песни с новым голосом обрели звучание лучше, чем это было раньше. У меня ощущение, что Оливер разорвал себе горло к чертям, когда столько лет орал на своих ложных связках, но никак это не залечивал, никак не «успокаивал», терял кучу раз голос, а теперь голос не может ни восстановиться, ни огрубеть. Он сейчас уже вроде переучился, насколько я слышу, и нормально поёт, но толка от этого уже нет, - он живые концерты больше не вытягивает. ⠀ Всё те же универсальные темы, вроде экзистенциального кризиса, разочарования от жизни, отсутствие цели, депрессии, разбавляются очень личными темами, вроде смерти друга Оливера от рака, или переживаниями после развода с первой женой. Надо признаться, мне всегда нравились тексты Bring me the Horizon: они либо так хорошо описывали чувства, с которыми ты никогда не сталкивался до этого, что ты начинал понимать их и сочувствовать, либо выражали те эмоции, которые ты ощущал, но словно впадал в ступор и не мог выразить словами, а тут вон, тебе всё объяснили, либо ты понимал, что испытываешь, и тебе просто становится комфортно, что ты не наедине со своими эмоциями, и кто-то чувствует подобное. Конечно, не все тексты в новом альбоме такого уровня, который я привыкла получать от этой группы, но даже в треках с текстом, похожим на маниакальные припадки, где повторяется одна и та же строчка, всё равно прослеживается история и общая тема, связывающая каждый трек в альбоме. ⠀ Риск, что такой альбом никто не примет, был невероятно велик, но постепенная подготовка слушателей к этому спасла пластинку, а теперь меня даже заинтриговало, что ребята ещё смогут создать, наконец-то ступив на неизведанную ранее ими территорию. Я оценила проделанную работу и была приятно удивлена, что для «такой» группы ребята сделали довольно качественный материал, подходящий для радио. В целом, если вы меломан и открыты для электронной и поп-музыки ровно столько же, как року и металу, то альбом очень даже зайдёт. К тому же, я уверена, что вы слушаете что-то более одного жанра и не застряли на какой-нибудь одной группе, поэтому предлагаю смело взглянуть на эту неудобную правду под другим углом, вылезти из своей раковины и осмотреться, - группа постепенно готовила нас к этому, это оказалось не так страшно, получился довольно дружелюбный компромисс, в котором Bring me the Horizon проверяет на хрупкость грань между «любовью» и «ненавистью».

Для меня A Day to Remember были одной из тех групп, треки которых в плейлисте долгие годы, но желания познакомиться с альбомами целиком почему-то не возникало. Я даже не помню, откуда именно узнала об этой группе, но уверена, что опять в своё время нахватала по треку из разных музыкальных подборок. Более того, это группа вызывает во мне «временной парадокс». У меня было чёткое убеждение, что я хотела написать пост про их предыдущий альбом «Common Courtesy», пока не увидела дату выхода, - в то время я не писала отзывов о музыке и желания это делать не возникало. Я решила, что перепутала всё, пока не увидела дату выхода последнего альбома, - клянусь, я была уверена, что он вышел в прошлом году. Они почему-то для меня «прыгают во времени», вроде недавно все говорили послушать этот альбом, а потом — раз! - прошло два года. ⠀ Если судить по тем трекам, что я слушала/слушаю/слышала, всё творчество группы в основном делится для меня на две категории: «панк-рок, к которому я равнодушна, но почему-то знаю весь текст песни наизусть» и «вау, не знала, что они действительно на это способны», так что, как вы поняли, - у меня всегда были слабые ожидания по поводу творчества группы. Пластинка получила название «Bad Vibration», и я слышала с неё только один сингл «Forgive and Forget», который мне понравился и вызвал почему-то ассоциации с верёвкой, обмотанной гирляндой. Обложка альбома вызвала восторг. Я не знаю, кто её автор, но мне нравится цветовая гамма и рисовка в стиле комиксов, и, забегая вперёд, обложка пластинки мне понравилась больше, чем сама пластинка. ⠀ В общем и целом сам альбом — это путь, довольно примитивный, неактуальный и постоянно так или иначе возникающий в каком-нибудь другом альбоме, путь, который я могу разделить на три стадии. Начинаем мы, разумеется, с мощного экзистенциального кризиса: «печаль будет длиться вечно», мы никогда не найдём покоя, ничто не спасёт нас. Дальше идут рассуждения, как мы вообще очутились на этом «дне» и само «дно», где ты наедине с самим собой и своими страхами, тебе некуда бежать, где нет выхода, но ты берёшь себя в руки и отталкиваешься от «дна», начиная всплывать. И завершает путешествие третья стадия, где мы начинаем сражаться за себя, и всё будет хорошо, и радуга, единороги. Помимо этого альбом имеет общественный посыл, что надо быть добрее друг к другу, поддерживать, держаться вместе, но не переходить границы. Грубо говоря, альбом использует тему стресса и тревоги, и мне нравится такая тема, но что-то в этом альбоме всё же не так. Мысль об этом проскальзывает с первым же треком, который выкручен на полную мощность и звучит намного тяжелее, чем ты ожидаешь. К концу пластинки, когда мы уже на верном пути к «выходу», создаётся впечатление, что группа сама потерялась где-то в своих мыслях, отсюда и я не знаю, что именно хотела услышать от этой работы. Может быть стоило страдать до победного? ⠀ Из тех песен, что я когда-то слушала, у меня сложилось впечатление, что с лирикой у группы всегда всё было в порядке. Никогда не проверяла своё предположение, но у меня была чёткая убеждённость, что их песни были насыщенны текстом. В этом альбоме мне показалось то, что текста гораздо меньше, неясно, давно ли группа практикует постоянные повторы, а так же то, что группа, кажется, сделала упор именно на музыку. По ощущениям самого вокала просто недостаточно, порой песни чувствуются пустыми, а по музыкальным экспериментам кажется, будто группа возвращается к различным музыкальным эпохам, через которые они скорее всего прошли когда-то и просто суммировали их в этом альбоме, поэтому иногда музыка звучит перегруженной и не очень целостной. Пластинка шатко держится на грани между «металкором» и «мейнстримом»: местами группа бродит где-то рядом с Fall Out Boy и иже с ними, но это пытались перекрыть приятной агрессией в виде экстрим-вокала, иногда песню разрывает необработанный поток хардкорных срывов, которыми можно проникнуться и почувствовать всю боль, а можно удивиться, что страдания слишком преувеличены (смотря в каком вы настроении). ⠀ Альбом мог быть феноменальным, но трудно противостоять с теми песнями, которые уже сделали группе имя, сложно с этим соревноваться. Тексты местами хорошо выражают этот страх и беспокойство, которые выходят за стандартные рамки. Группа пыталась сохранить баланс, и, надеюсь, этого было достаточно, чтобы порадовать старых фанатов и обрести новых. Вдруг эта «сырость» сделана для того, чтобы перерубить мнение, что группа, когда-то считавшаяся искусством для ценителей, возвращается в то время и перестаёт быть коммерческим продуктом, словно это попытка начать всё заново. Для меня — это был интересный путь, но всё равно есть в этом альбоме, а может в самой группе, что-то, что отталкивает меня, их творчество — это не моё. Я почему-то не верю, что эмоции, переданные в этом альбоме, - настоящие, то есть, слова и эмоции за ними настоящие, а исполнение в стиле «крик ради крика» иногда выходит за рамки и не передаёт никаких чувств. Тематика альбома кажется не сфокусированной, скорее из-за того, что группу кидает из одного музыкального стиля в другой, и вроде бы это должно вызвать во мне восторг и убедить, как талантлива и разнообразна группа, но из-за постоянной склонности композиций к панк-року у меня создалось впечатление, что все песни одинаковые, кроме той самой «Forgive and Forget», которая не блещет лирикой, но звучит зато красиво и не сливается с остальными. Я осталась при своём мнении, что мне лучше у этой группы иногда выдёргивать композиции из отдельных подборок, - там мне везло больше, а целый альбом — это не моё.

Я не знаю английский язык, не говорю на нём, но довольно бОльшую часть речи я понимаю. После нескольких прослушиваний песен без экстрим-вокала на английском мне становится понятным его текст, посыл, мотив, но вот в немецком языке я знаю только три слова (серьёзно, мне стыдно, я на японском слов больше знаю). Поэтому пластинка стала для меня своеобразным вызовом: смогу ли я понять чисто эмоционально то, что хотела передать группа, не понимая текст песен. Прослушивание этого альбома разделилось на две основные части и растянулось на несколько месяцев, пока я не привыкну к мелодиям и не обрету свои какие-то мысли по этому поводу. Первая часть включает в себя и первое впечатление от синглов, когда они только вышли в сети, и последующие прослушивание пластинки. Это было необходимо для того, чтобы у меня сформировалось впечатление независимо от текста и прямых эмоций, которые хотела вложить туда группа. Вторая часть — самая важная. Она включает в себя прослушивание песен со вдумчивым чтением перевода каждой песни, и я действительно сделала это — прочитала перевод по нескольку раз к каждой песне. Сначала я писала то, что у меня вызывает песня без знания о чём она, потом читала текст песни и отмечала, совпало ли впечатление. ⠀ Альбом получил название «Schlagschatten», что вроде переводится как «тень», и состоит аж из четырнадцати треков, и на ней практически не было неизвестных композиций: половина была выложена на ютьюбе, и парни снова исполняли их на улицах. Пластинка получилась довольно долгая, ведь с четырнадцатью песнями сложно втянуться в альбом, при этом желательно не пропускать просмотр видео, чтобы действительно почувствовать каждое исполнение песни, но почему-то, несмотря на длительность и количество информации, альбом слушается быстро и легко, а видео — приятные дополнения. Обложка альбома простая — они сфотографировались, даже особо не позируя на камеру, и на этом закончили. Кажется, что на предыдущую обложку было затрачено больше времени, но эта мне действительно нравится. Ведь несмотря на сложные темы, поднятые в альбоме, обложка вызывает состояние покоя, и ты настраиваешься на лёгкий летний альбом, вышедший в декабре, но тебя бьёт этим контрастом между «ожиданием» и «реальностью», что показалось мне забавным. ⠀ Открывает альбом «Marie», которая при первом прослушивании кажется очередной песней про утраченную любовь, но она вызвала у меня ощущение, что в ней есть что-то ещё. После прочтения текста с первых строк подумалось про политический уклон, ведь в нас сразу же, не пытаясь как-то увернуться или прикрыть красивыми эпитетами, кидают фразой: «птицы гадят с неба, и я смотрю на это». Несмотря на всю энергичность трека, песня повествует о каком-то личном чувстве безопасности, грусти и одиночестве, но мне нравится, что этот трек каждый для себя может интерпретировать по-своему. Вообще грусть — это основная эмоция, которая чувствуется от большинства треков сразу же, а те, что могут смутить своим энергичным темпом, после понимания текста возвращают в чувство печали. Но это чувство не безысходности, а какой-то странной, сладкой, ностальгической грусти, которая вроде и не грусть вовсе. Эта эмоция дозируется в каждом треке: где-то она выкручена на полную, что может вызвать даже некое подобие эмоциональной боли, где-то добавлена в меру, что вызывает это «сладкое», ностальгическое ощущение, а где-то добавлена лишь щепотка, - так, для вкуса и аромата. ⠀ «Nur wegen dir» идёт вторым треком на альбоме. Такая лёгкая на слух, милая, приятная песня, которая переводится как «только благодаря тебе», может в какой-то мере действительно сделать тебя счастливым, но есть в ней та самая «щепотка». В «In meinem Bett» этой эмоции добавлено в меру, что вызывает ту самую сладкую печаль. Песня переводится как «в моей постели», и самая главная фишка этой песни — неожиданный фальцет Хеннинга. Четвёртая «Ich geh heut nicht mehr tanzen» очень энергичная, ритмичная песня с шикарным басом, который они почему-то редко так открыто используют в своём творчестве. Песня заряжает своей энергией, хочется потанцевать, что очень иронично, ведь она переводится как «я сегодня уже не пойду танцевать», а текст песни, несмотря на вроде бы простое название, стоит своего внимания и отражает чуть ли не всю мою жизнь. Но где же действительно сложные темы, неужели политика, скользнувшая в первой песне, - это всё? И вроде бы всё так несерьёзно, и ты расслабляешься, думая, что ничего ТАКОГО в альбоме уже не будет, и «Freitagabend» словно подтверждает это. Песня как своеобразный гаражный рок, она переводится как «вечер пятницы», и ты правда сразу же ощущал от неё веяние типичной «Friday song». Минимум лирики, максимум настроения кричать песню в толпе и плясать. ⠀ Дальше настроение альбома резко меняется, хотя, если сразу вникать в смысл текстов песен, такого обрубающего перехода между частями альбома на самом деле нет. При первом прослушивании «Weiße Wand» сразу показалась мне особенной. Она вызывает странные эмоции, сразу почувствовалось, что песня о чём-то серьёзном. То ли дело в нестройном звуке барабанов, ритм которых трудно ухватить, то ли в колокольчиках, как будто я вхожу в антикварный магазинчик, полный истории, то ли в читке текста в стиле «spoken word». После прочтения текста «белая стена», как переводится название композиции, убедила меня в моих ощущениях, а сама песня получила метку экзистенциальной и заняла важную для меня позицию, потому что вся тематика сегрегации почему-то действительно ранит меня, хотя я тоже «белый человек за белыми стенами». «Hinter klugen Sätzen» поддержала настроение предыдущего трека, хоть и его шансонный ритм, свойственный группе в забавных песнях, поначалу может не располагать, и если совсем разогнаться, то можно даже испытать радостные эмоции от песни, но вокал Хеннинга всё равно тянет куда-то в грустную тьму. Песня переводится как «за умными словами». Я уверена, если почитаете текст, то обнаружите в нём себя. Где-то читала мнение, что песня может стать приемником «Barfuß Am Klavier» из предыдущего альбома, но она похожа на неё ровно тем, что там только Хеннинг и его пианино. Текст песни, полный сомнений, быстро перебивает это ощущение. Далее ребята решили поэкспериментировать со звучанием, поэтому в «Sieben Jahre», кажется, использована какая-то непривычная электронная штука в качестве ритма, а так же губная гармошка, которая сразу же привлекает внимание, хотя ребята её уже не раз использовали. Песня переводится как «семь лет», и её пронизывает уже знакомая нам «сладкая печаль». Когда-то разбитое сердце, утраченная любовь, которую ты не можешь отпустить даже спустя годы, - как-то очень актуально после «Идеального официанта». Девятая композиция «Jenny Jenny» немного разбавляет музыкально тянущуюся печаль. Очень ритмичная, энергичная песня, под которую хочется танцевать и подпевать, но за голосом Хеннинга снова что-то скрывается. Она об одиночестве, переданной через рассказ о стюардессе, которая уже не знает, кто она, где была и откуда вернулась. Это песня невольно объединяется со следующей композицией. «Alle Fragen» грустный трек, который переводится как «все спрашивают». Очень актуальная для меня тема о возвращении на родину, где ты уже чужой. Текст песни немного музыкально нескладный для меня, но он определённо стоит внимания, а сама композиция разбивала мне сердце ещё до того, как я узнала, о чём она. С «Du bist anders» недавно вышло видео. С этим треком они опять пели на улице, и мне сложно вспомнить эмоции от первого прослушивания, потому что я видела эмоции, с которыми они исполняли эту песню. Это определённо опять грусть, пронизывающая альбом, они вроде пытались улыбаться, но у меня всё равно ком застревал в горле. Трек переводится как «ты другая». Хорошо это или плохо, но, если убрать намёки на кого-то другого, песня словно написана про меня: стиль молчать, не выражать свои эмоции напрямую, всё держать в себе, пассивная агрессия — это прямо я. Уже в начале альбома ты осознаёшь, что ребята начали писать на довольно серьёзные темы, пусть и большая часть их попадает в категорию «вот жиза», это всё равно важно лично для тебя. Двенадцатая «Schon krass» начинается со знакомой мелодии, будто взятой из детской песенки в стиле «twinkle twinkle little star», только не жуткую её версию, а может быть, в этом и есть вся ирония. И, если ты сомневался, что жизненность композиций — это не так уж и серьёзно, то после этой песни, что переводится как «удивительно», мнение в серьёзности альбома укрепляется. Песня про наркотическую зависимость, и это разбивает мне сердце. Поэтому после нескольких печальных песен «Vielleicht Vielleicht» с живым ритмом воспринимается даже чуть позитивно. «Возможно, возможно» - это простая, чистая, красивая влюблённость, и появляется надежда, что альбом закончится пусть и не на откровенном позитиве, что дальше точно всё будет хорошо и простые радости помогут жить, но стиль «сладкой красивой печали» они точно выдержат. Закрывает альбом «Schlagschatten», и, словно подтвердив мои мысли: «счастье в мелочах» - поёт Хеннинг, пронизывая нас своей «сладкой печалью», и мне безумно нравится образ, созданный этой песней. ⠀ Элементы шансона, какой-то странной цыганской музыки, фолк, джаз, блюз — вы найдёте на этом альбоме всё. Используемые стили идеально гармонируют с голосом вокалиста. Голос Хеннинга уже не играет такую важную и ключевую роль как это было с первым альбомом, потому что ты уже привык к нему, если слушаешь группу давно. Сам голос словно тёмный, глубокий, навязчивый и каким-то странным образом всегда находится на пороге хрипоты, при этом не срываясь. Сама группа сохранила своё очарование уличных музыкантов, словно они всё ещё студенческий коллектив. Музыка альбома звучит сыгранной вручную, словно они выступали сейчас передо мной, а не записывали это в студии. В текстах песен подняты серьёзные и, что очень важно, жизненные темы, многие из которых оказались очень близки мне, так же в текстах группа указывает на давление, внутреннее и внешнее, которое пришло с успехом. Если в предыдущем альбоме ребята были четырьмя милыми пареньками в возрасте около двадцати лет, которые в основном пели для таких же студентов в стиле «что вижу, то и пою», - сейчас это, как по мне, довольно большой шаг вперёд для группы. «Но мир — это бездна, мы падаем, и, думаю, мне это нравится» - обычно так и видится тот самый жизненный опыт. При этом группа сохранила свою простоту уличных музыкантов — они нормальные молодые люди, которые живут, переживают ситуации и пишут об этом песни. Они раскрывают свои чувства, рассказывая даже о своих негативных действиях или решениях. Это не идеальный альбом, но он простой и искренний. Мои «ожидание» и «реальность» совпали.

4/5

Обычно, когда выходит альбом в новом для группы стиле, при внушительном количестве негативных комментариев «скатились» всегда кто-то разбавлял своим положительным отзывом. То есть, группу могли хейтить, но всегда появлялся тот, кто её защищал. Меня позабавило, что после премьеры нового альбома в моей памяти осталась только негативная сторона комментариев, - очень старалась вспомнить кого-нибудь положительное, но не получалось. Опуская стандартные обзывания («попса»), основная часть претензий относилась к качеству альбома, мол, пластинка написана второпях, тексты песен как будто писал 15-летний подросток и даже с обложкой схалтурили, не учитывая, что предыдущий альбом Day X вышел ровно год назад, и за такие короткие сроки выпустить что-то действительно сильное и соответствующее, а может перепрыгивающее качество предыдущих работ, практически нереально (для тех ресурсов, которыми обладает сейчас группа). Да, это не оправдание, но народ стал слишком требовательным и наглым, он только потребляет, и ведь это тоже часть «нью скула». ⠀ Новая пластинка получила название «Нью Скул» и, помимо странного, написанного транслитом, названия, песни полностью на русском языке. Я немного расслабилась и не следила за новостями, может быть, это связано с чем-то конкретным, но такая внезапная смена стиля смутила даже меня. Каждая «альбомная эра» имеет свой цвет. В Into the Wild это был жёлтый/золотой, в Day X голубой/синий, а Нью Скул получила фиолетовый/лиловый цвет. Наверно, лучшая цветовая гамма и обложка для меня — это эра Day X, но и новую, довольно символическую обложку, очень подходящую тематике альбома, я бы поставила на первое место за всё творчество группы. Забавно, насколько у нас со слушателями разные взгляды, потому что лучшей обложкой большинство, как мне показалось, называли именно Into the Wild, а лучшим альбомом Day X, на который нападали раньше больше всего. Для меня нет лучшего альбома: в каждом мне нравится что-то своё, но вот чем реально отличается этот альбом, так это количеством треков - на пластинке их всего восемь. Когда-то в эру Into the Wild я жаловалась группе, что двенадцать композиций — это мало…. ⠀ Открывает альбом одноимённый трек «Нью Скул». Мне очень нравится вступление и музыка этого трека, а с украинским языком у меня возникла небольшая системная ошибка. Когда вышел первый сингл, о котором я напишу потом, я пошутила, что обычно ничего не понимаю, что они там на английском орут, но после выхода трека на русском я поняла, что я и по-русски ничего не понимаю. Здесь возникла похожая ситуация: я понимала и не понимала, о чём поётся, одновременно. Пока кто-то напрямую не написал, что это украинский, я почему-то тупила. Тема этой песни не новая, название композиции говорит само за себя. Слова «мне по*уй на вашу империю, я создам свою!» целиком и полностью раскрывают смысл песни, особенно это звучит убедительно, зная историю группы. Wildways отделились от звукозаписывающего лейбла, с которого начинали, вышли из-под крыла booking machine и перерубили ещё довольно много «знакомств», которые так или иначе помогали им продвигать своё творчество. Не зная предысторию, песня, как и её текст, кажется действительно слабой, потому что состоит из постоянных повторений одних и тех же фраз, которые для стороннего слушателя не несут никакой смысловой нагрузки. Зато сама группа понимает, что попытавшись наработать аудиторию без «допинга», они попадают между молотом «для новой аудитории я никто» и наковальней «ценители тяжёлой музыки посчитают наше новое творчество попсой», что, кстати, и произошло. Ну и ещё песня зал раскачает. ⠀ Второй трек на альбоме называется «Бабкибабкибабки», и он стал синглом. Когда он только вышел, то мощно перевернул всю аудиторию группы, потому что никто не понимал его смысл. Слишком тонко ребята объяснили ситуацию, которая знакома каждому из нас, - всё решают деньги. В этом треке впервые начинает проясняться тематика пластинки, та самая мысль, которая будет тянуться через каждый трек в альбоме, особенно это ярко выражено во фразе «Дохнем без спичек в ожидании искры. И в аду, и на земле жечь помогают нули!», но сделано это так тонко, что невозможно уследить и понять, поэтому делать этот трек синглом, да и вообще так тонко писать о животрепещущих темах, - слишком рискованная и шаткая позиция, потому что наш народ тупо ничего не поймёт, но третья композиция расставила все точки над «i» и получила название «Страх». Трек смело кидает нам в лицо тематику альбома и раскрывает перед нами все карты. Мне кажется, только услышав этот трек, сразу становится понятно о чём он. Это, безусловно, самая сильная песня на альбоме, но и самая выводящая меня из колеи. Песня эмоционально тяжёлая, вдохновляющая, но тематика политики — это то, что я старательно пытаюсь избежать, потому что сейчас «свобода слова» очень дорого стоит. Пока мировоззрение людей не поменяется, ничего не поменяется в стране, и, возможно, такие треки, призывающие «кричать, задыхаясь», однажды что-то изменят. ⠀ Песня «Цирк» мгновенно повеяла влиянием Тони Раута, с которым группа плотно дружит. Название композиции, когда у Раута всё творчество так или иначе связано с «грустными клоунами», мелодия в начале, напоминающая его мирок Раутвилля, читка на протяжении практически всего трека, но тематика мне очень понравилась. Она связана с борьбой любого из меньшинств, в наше время часто переходящей всякие границы. Приведу понятный пример из недавних в кинематографе, когда Уилл Смит внезапно стал недостаточно чёрным для роли афроамериканца, или когда Скарлетт Йохандсон загнобили в интернете за то, что она хотела сыграть трансгендера, при этом сама не является трансгендером (хотя почему-то роли Фелисити Хаффман в «Трансамерике» и Хилари Суонк в «Парни не плачут» никого не смущают), - сейчас любой «неправильный» шаг может сильно аукнуться, и хоть я за равноправие, за эксперименты в творчестве и прочее, но в разумных адекватных количествах, без навязывания мне чего-либо. ⠀ Сначала песня «Эхо», которая идёт пятой в пластинке, воспринималась как очередная песня об утерянной любви, но после многократного прослушивания всё оказалось гораздо глубже, чем кажется на первый взгляд. Да, это песня о любви, но о любви….к своей стране. Это песня о том состоянии, когда ты, находясь далеко от дома (в идеале в другой стране), пытаешься слиться с толпой, но внутри очень скучаешь по своей стране. Слова «на расстоянии влюблён в тебя. И назад на дно….» отлично отображают смысл. У меня это не так масштабно, но я чувствую тоже самое по отношению к своей деревне, когда, сидя в Санкт-Петербурге, скучаешь по этим развалинам, но возвращаясь домой, словно снова опускаешься на дно той «потерянной цивилизации». Почему так происходит? Может, любви правда никогда не было? ⠀ Мелодия вначале «Мам, прости» напомнила мне о The 1975, да и вообще сама мелодия крутится где-то внутри — я почти могу наложить на неё другой текст какой-то популярной песни, которую никак не могу вспомнить. Сам трек рассказывает о новой эре, «нью скул» во всей красе, когда все мосты сожжены, - например, тот же лейбл, который мог заставлять их писать музыку для более широкой аудитории в рамках музыкального жанра, а они решили избавиться от этих оков и идти своим путём. Правда, здесь уже чувствуется, на какую аудиторию группа нацелилась самостоятельно. Сам трек очень лайтовый, идеально подходящий для радио, - и этим всё сказано, в принципе. В треке даже мат завуалирован, в то время, как сама группа никогда не фильтровала свою речь в творчестве. Как и предыдущая, песня «Пvриж», скорее как сольник Толика, чем композиция в рамках группы Wildways. Это был ожидаемый трек, без подобной композиции альбом никак не мог обойтись, особенно, учитывая, что все старые тексты вокалиста так или иначе создавали ощущение страданий про бывшую. Грустненький трек об утраченной любви с фальцетом на вокале и ярким эмоциональным финалом создаёт во мне те же ощущения, когда соседки по общежитию крутили на весь этаж грустный русский рэп, который я люто ненавидела. Возможно, если я переключусь на какие-то свои личные переживания по поводу неудачных отношений, то трек мне понравится, особенно, эти будто маниакальные повторения в тексте, когда мысль застревает в голове, но для меня это не то время и не то место. ⠀ Застилает альбом «Мрак», и, если мы начали с натуральной агрессии, пройдя стадии призывов к действию, углубившись в котёл каких-то грустных, личных воспоминаний, то в самом конце альбома снова опустились на своё чёрное и холодное дно, где уже прочно обосновался народ. Песня по жанру слабая, я бы даже сказала клубная, если бы не внезапный скрим на припевах. Тематика политоты осталась, и всё так плохо, что страшно. Своим текстом песня не сказала ничего такого, чего мы уже не знали или не поняли, но всё равно я невольно зацепилась за единственную фразу «deliver us from evil!» на английском языке из всего альбома, что означает строчку из молитвы, которую знает каждый: «избави нас от лукавого». Здесь становится действительно страшно: а вправду, куда мы такими темпами движемся? ⠀ Помимо тяжёлой темы, Толик замахнулся на очень высокую планку вокала, и теперь интересно, вытянет ли он это всё вживую. Тема альбома выбрана не просто эмоционально сложная, она животрепещущая, актуальная и передана невероятно тонко и сложно, что не даёт проникнуться и понять её с первого раза. Да и со второго тоже. Да, может сами тексты песен не дотягивают до уровня шекспировских сонетов (или кто там гуру в поэзии тех, кто писал, что это тексты 15-летнего подростка), да и никогда не претендовали на это звание, в них, наверно, есть что-то цепляющее, но после всё равно чувствуешь себя дураком. Некоторые из них на поверхности, некоторые многослойные, в тех и в тех так же приходится бесконечно копаться, чтобы понять смысл, но, извините, я и такого уровня не ожидала от человека, который порой «лазает по стенам» и «наполняет стаканы болью». Пусть криво, пусть пока слабо, но они прекрасно понимают, какое направление выбрали, что с такими высказываниями в наше время нужно быть осторожнее, но выразили свою позицию через слишком слабые тексты. Самое грустное во всём этом не то, что для большинства альбом музыкально слабый, не то, что тексты «рифмуют глаголы», а потому, что приходится объяснять смысл треков. Сейчас они находятся между «новая аудитория о нас не знает» и «деды давно прошедших времён swimt требуют больше тяжести в треках», и теперь интересно, что нас ждёт дальше.

Когда я узнала о выходе мини-альбома, первое, что я почувствовала, - это злость. Группа выпускает альбомы примерно каждые два года, и это всегда были полноценные пластинки, но с выходом этого EP в конце 2018 года после выхода полноценного альбома «Five» в 2017 году, становится неясным, будет ли в 2019 году полноценный альбом, хотя я осознаю, что они ограничатся этим, раз собрались в тур. Злость я почувствовала потому, что большинство довольно крупных исполнителей в последнее время решили ограничиться мини-альбомами, и, если честно, я лучше подожду несколько лет и получу полноценный альбом, чем каждый год по мини-альбому, какими бы классными ни были треки. Пластинка получила название «Psalms». До написания поста я не знала название альбома. Я слушала песни всё это время, мне казалось это просто бессмысленным набором треков, но после того, как становится известно название, становится понятнее концепция и смысл пластинки. С выходом первого сингла «Gotta Let Go» закрались сомнения, что предстоящая пластинка будет мягкой, потому что это трек целиком и полностью для радио. Я не знала, что нас ждёт альбом, поэтому решила, что это просто трек, и писала в «песне месяца», что это песня в стиле «захотели и сделали». После второго трека «Another Level» всё перевернулось с ног на голову, потому что это было больше похоже их прежнее звучание. Стало понятно, что нас ждёт альбом, но я перестала понимать, что ждать от этого альбома и группы в целом. Мини-альбом состоит из пяти треков, но обо всё по порядку. ⠀ Открывает альбом трек «Bloody Nose» - довольно странная песня со странной музыкой и странным посылом. Этот трек сильно отличается от остальных композиций пластинки не только потому, что он неожиданно пытается сохранить связь с миром рока, но и из-за того, что в песне Da Kurlzz, который всегда отвечал за экстрим-вокал во всём творчестве группы, но покинул её перед альбомом Five, внезапно заменили на J-Dog, которому тоже очень подходит эта роль, но я уже не надеялась, что они хоть когда-нибудь решатся снова использовать этот стиль вокала в своих треках. Следующая «Live Fast Die Young» создаёт впечатление, что группа делает огромный прыжок в сторону поп-музыки, который уже сделали большинство рок-групп. Я бы побомбила по этому поводу, будь на их месте любая другая группа, но для меня Hollywood Undead спасает то, что они не рок-группа, и по мне, у них тупо нет стиля. К сожалению, это не спасает их от остальных любителей этой группы, которым подавай тяжеляк от тех, кто его никогда в жизни не делал. Третий трек «Something to Believe» та самая лицемерная песня, которой группа пытается манипулировать публикой. Лирика создаёт очередной фальшивый образ, пытается поддержать людей, подтолкнуть к поиску того, во что «можно поверить», хочет проникнуть в самое сердце, но либо я стала слишком чёрствая и не прочувствовала этот посыл, либо таких песен развелось слишком много, и ты уже скорее злишься, потому что тебе говорят, что ты должен чувствовать. Предпоследний трек «Another Level» вышел вторым синглом, - и это самый плохой трек во всём мини-альбоме. Судя по отзывам, он не понравился большинству слушателей, и мне первоначально он тоже не понравился. По иронии судьбы этот самый плохой трек словно инъекция Hollywood Undead – он больше всех напоминает, что в большинстве своём представляет из себя «глупая сторона» творчества группы. Да, трек мне не понравился, но я словно вслушалась к этому раздражающе повторяющему припев роботу с феноменально глупой лирикой. Закрывает альбом «Gotta Let Go», что была первым синглом. Даже спустя столько времени я так и не поняла, о чём конкретно текст. Смысл витает где-то рядом, но я никак не могу ухватить его. Сама песня создаёт вокруг себя счастливую возвышающую ауру, ты словно оглядываешься назад на свою жизнь, а трек призывает всё отпустить. ⠀ Для протокола: мне этот мини-альбом понравился. Как отдельные лёгкие треки — они мне подходят, но почему-то не получается воспринимать пластинку как часть Hollywood Undead, но так обычно и бывает, когда группа меняет своё музыкальное направление. Что касается названия альбома и его смысла, я не буду приводить полную цитату Джонни, но, если вкратце, — это очередная попытка поддержать и помочь людям с их ментальными проблемами. Я такое очень люблю, но не особо верю, что это искренняя попытка. С одной стороны, внезапно дружелюбный стиль, который решила использовать группа для этого альбома, звучит как переход к более лёгкому стилю музыки. С другой стороны, может группе успех вскружил голову? Не то, чтобы предыдущий альбом Five был настолько хорош, но он явно спутал многим карты, заставил вспомнить о Hollywood Undead, даже на меня это повлияло, - предыдущий альбом заставил снова полюбить эту группу, поэтому они решили на волне выпустить ещё что-то, поддержать этот успех. И, разумеется, это целиком и полностью коммерческая пластинка, что уже давно не является тайной, но является причиной огорчения, хоть песни мне и понравились.

Это очень личный альбом, посвящённый скорее самой Флоренс, чем огромной публике. Композиции в пластике пытаются вызвать тебя на откровенный разговор, да и сами треки преподносятся в разговорной форме, как будто ведётся откровенная беседа с другом. Флоренс всегда была той самой исполнительницей, песни которой были насыщены яркими событиями, душераздирающими и безрассудными чувствами, дикой необузданной женственностью. Но что происходит, если подобная исполнительница просто жаждет немного покоя? Всё её прошлое творчество было бурей эмоций, яркие всплески и развевающиеся платья, где Флоренс на скорости проносилась мимо, словно находясь в состоянии эфирности. Альбом High As Hope - это путь, который пришлось пройти исполнительнице. Оказалось, что некоторое время назад Флоренс бросила пить, и эта тема пронизывает весь альбом, да и сама пластинка полностью посвящена исцелению. Флоренс открыто рассказывает о том, как в последние годы они пила, про «двухдневные» вечеринки, которые заполняли пустоту между её концертными турами и реальным миром. В этом альбоме вы почувствуете, как она постепенно обретает покой. ⠀ Песня «June» открывается медленным вдохом, тихими басами и приглушёнными аккордами пианино, где Флоренс дрожащим голосом признаётся в любви кому-то, кто «стал ангелом». Текст песни становится понятным после того, как узнаёшь, что июнь в США является месяцем, на которое приходятся основные массовые мероприятия, где отстаиваются права ЛГБТ-сообществ. Далее нас перебрасывает на трек «Hunger», который был третьим синглом. Эта композиция — абсолютная и безупречная победа этого альбом, тот самый трек, который понравится каждому: и тем, кто не знаком с творчеством Флоренс, и тем, кто её творчество не любит. Песня невероятно ритмичная, а голос Флоренс то взлетает, то падает, ломается и дрожит, идеально управляя той гаммой эмоций, которые хотел передать трек. Но, даже несмотря на всю свою, казалось, раскрепощённость в этом треке, это песня не только об расстройствах пищевого поведения, но и об одиночестве, настолько сильном, что оно превратилось в настоящий голод, и все мы чертовски голодны. ⠀ «South London Forever» - это гимн юношеским приключениям. Яркие воспоминания об испорченных ночах, - Флоренс знает, что возвращаться к тому хаотичному времени нельзя, при этом её волнует, что ждёт её в будущем и правильны ли её решения. При этом её возвращение не сопровождается присущим ей причудливым размахом, наоборот она скромно возвращается в места, откуда она родом, и вместо привычной ей «парящей» романтики, она просто оглядывается назад. «Big God» ещё одна из сильнейших песен на альбоме, вышедшая вторым синглом. Мощные басы, доносящиеся откуда-то из грудной клетки, - Флоренс шумит, кричит и буквально скрипит, что при первом прослушивании несколько выносит из колеи, но кажется мне потрясающим приёмом, который вряд ли кто-то будет использовать в музыке. Эта песня снова о пустоте, наполняющей нас, настолько огромной, что «нужен достаточно большой бог, чтобы наполнить тебя». Мне понравилось, что она сравнила «Big God» с текстовыми сообщениями, на которые нет ответа, и хоть она не говорит всё напрямую, всё равно понятно, что «Господи, это больно». ⠀ Первым синглом была «Sky Full of Song», которая в альбоме идёт ровно посередине, и это, наверно, моя самая любимая песня в альбоме. Это единственная песня из альбома, в которой помимо Флоренс пел целый хор в лице конкретных людей (не просто обычного бэк-вокала), к сожалению, мне незнакомых. Этот бэк-вокал звучит немного одинаково — всё пространство в треке занимает голос Флоренс, - но если достаточно раствориться в песне, понимаешь, насколько эти голоса заполняют пространство вокруг голоса Флоренс, который звучит даже сильнее, чем обычно. Это довольно подавленная композиция, при этом в ней отсутствует переизбыток какой-либо драмы. «Grace» не очень подходит для прослушивания широкой публики, потому что это очень личная песня, посвящённая напрямую её сестре, так же касаясь семьи в целом. Флоренс пытается возместить ущерб, который нанесла, будучи «витая» - извиняется за испорченные дни рождения, задаётся вопросом, будет ли мать гордиться ей, если она вернётся в университет. Думаю, многие задавались (или точно зададутся) подобными вопросами, мечтая залечить ту боль, что принесли своим близким людям, думая, что будет, поступи они иначе. ⠀ Седьмой трек «Patricia» - это ода для кумира. Идолом для Флоренс выступает Патти Смит, и песня, мне кажется, написана именно для широкой публики, чтобы Флоренс могла промчаться босиком по сцене в своей эфирной манере. «100 years» показалась мне трогательной и, что важно, открыла более здоровый подход к любви и вере. Она полна метафор борьбы за равноправие. «The End of Love» поднимается тема всё того же «чувства голода», описывающего потребность человека искать что-то, чем можно заполнить пустоту в жизни, например, той самой любовью. Сложными метафорами Флоренс намекает, что пора учиться принимать это чувство вместо того, чтобы пытаться залатать дыры какими-нибудь мимолётными отношениями. Нужно научиться по-настоящему любить, а не вступать в отношения лишь для того, чтобы заполнить пустое место, чего ей не хватает в жизни. В заключительном треке «No Choir» Флоренс поёт почти а капелла. Это впечатляющая песня, где ничего не происходит, никто ничего не делает, а Флоренс просто размышляет о связи между её музыкальной карьерой и душевной гармонией. Она находит для себя ответ в том, что счастье не обязательно должно быть громким и шумным, что ей необходим баланс между яркостью жизни (её творчеством) и спокойным минимумом. ⠀ Трогательная, даже интимная лирика манит во внутренний мир Флоренс. Несмотря на то, что альбом открывает трагичная тема, High As Hope вскоре раскрывается на тему, как необходимо использовать вторые шансы, доверяя при этом близким людям, и, что важнее всего, доверяя самому себе. Все её вопросы нашли ответы в заключительном треке «No Choir», где она сама удивляется, насколько близким может быть счастье, что дело не в масштабах, и признаётся, что при этом ей необходима аудитория, которая её слушает. Да, это очень личный альбом, направленный и написанный Флоренс для самой Флоренс. High As Hope - огромный шаг к светлому будущему. Никогда бы не подумала, что Флоренс внезапно захватит идея «чем меньше, тем лучше», но это именно то, чем пронизан весь альбом. Флоренс обнажена. Она свободна от огромного количества всяких песнопений, свистков, колоколов и огромного, раздутого и надуманного чувства масштаба, но, самое главное, она наконец-то открыта перед самой собой сильнее, чем когда-либо.

Новый альбом twenty one pilots получил название «Trench» и вышел всё таким же концептуальным, как и всё творчество группы. В этом альбоме ты не обнаружишь хитов уровня «Stressed Out» (так ненавидимый фанатами группы), который можно крутить по радио. Поэтому, если ты ожидал что-то коммерческое, что-то невероятного размаха, что-то яркое, мощное и мгновенно разрывающее, то альбом может очень сильно разочаровать. ⠀ Если предыдущий альбом был сосредоточен вокруг мутной личности Blurryface, то в Trench ребята замахнулись на создание целого мира. Когда я упоминала синглы с нового альбома, я говорила, что фандом twenty one pilots очень замудрённый. Парни играют в какие-то игры: всё всегда взаимосвязано и напрямую вообще ничего не говорится. Они могут пропасть на года, а потом кинуть совершенно мутную подсказку в виде некачественной гифки, а фандому лишь остаётся играть в Шерлока, с чем он, кстати, вполне себе справляется. Поэтому тематика нового альбома была разгадана по странной некачественной картинке, для меня похожей на что-то среднее между вырезкой из газеты и плохим снимком со спутника. На той странной гифке фанатами был обнаружен адрес сайта, на котором были опубликованы загадочные тизёры из выдуманного города Дема и записи из дневника персонажа по имени Клэнси — главного героя, который должен сбежать из Демы. Сам город — это, обнесённое высокими стенами, закрытое пространство, которым управляют девять епископов, служащих религии «виализм», тоже выдуманной. Эта история рассказывается в альбоме, поэтому так важно вникать в текст и слушать треки по порядку, а так же посмотреть клипы, которые так же связаны между собой и представляют из себя части одной истории. Ещё раз: не читая тексты песен, не вникая в них, альбом слушать не стоит. ⠀ Сам город Дема служит метафорой ментального заболевания, где стены, которыми окружён город, символизируют масштабы проблемы и замкнутость человека наедине со своими проблемами глубоко у себя в голове, где побег из Демы означает преодоление проблемы и борьбу со своими демонами. Религии «виализм» следуют жители города, которые пребывают в состоянии депрессии и не ищут помощи, загоняя себя в чувства одиночества и отчаяния, но за стенами есть «бандито» - те люди, которые смогли преодолеть свой недуг, и теперь пытаются помочь людям, застрявшим в Деме. В альбоме есть трек «бандито», а так же новый тур группы носит именно такое название, - ребята собираются спасать жизни, ведь Тайлер, если не победил свои проблемы, то хотя бы контролирует, и он собирается помочь таким же людям, запертым в своей Деме. ⠀ Чаще всего треки для альбомов пишутся в разные периоды жизни, и вот чем мне нравятся twenty one pilots, так это их целостной, пусть и непонятной с первого раза, концепцией, полной, продуманной до мельчайший подробностей, историей. Если в «Blurryface» на роль депрессии был отведён один персонаж, но в «Trench» для этого существует целый город и девять епископов и, если вникнуть в фандом с головой, ты с ужасом и с восторгом узнаешь, что по обложкам предыдущего альбома, текстам песен и схемы города Демы можно разгадать имена каждого из епископов, что очень интересно, очень сложно, но в то же время важно знать хотя бы это, потому что от этого контекста и предыстории зависит половина впечатления от альбома. Другая половина впечатления зависит исключительно от текстов песен, в которые очень важно вникнуть и почитать. Даже музыкальная составляющая альбома уходит на второй план и становится совершенно неважной, после того, как поймёшь тексты песен. Например, вторым треком нас сразу же вбрасывает в альбом «Levitate», звучащий скорее как переход, нежели как полноценный трек. Быстрая, краткая читка, заканчивающаяся многозначительной фразой исковерканным голосом Blurryface «welcome to Trench», после чего альбом сразу переносит нас к «Morph». Лёгкая читка с удивительно-приятным припевом знакомит нас с «ситуацией», про которую будет идти речь в альбоме. Нам поясняется, кто такой Нико и что единственный способ вырваться из города — это «изменить» себя. В альбоме, разумеется, есть треки, достаточно самостоятельные и размытые, чтобы существовать вне контекста и вне альбома, вне истории и концепции, способные как просочиться на радио, так и понравиться слушателю, который не собирается копаться во всём этом жутком мире, но всё же эти треки являются полноценной частью альбома, потому что через них показываются мысли, то, что происходит у тебя в голове, о чём ты думаешь, пока ты находишься в Деме, и, разумеется, он «не смог не написать песню для неё». ⠀ С точки зрения лирики, Тайлер остаётся верным себе: она выходит за разные рамки, но при этом остаётся в удивительной и поражающей гармонии между мрачностью и оптимизмом, умудряясь иногда писать невероятные тексты про любовь, как посвящая их своей жене, так и родственникам, и, конечно, в контексте «мои люди всегда со мной», отображающей любовь к своим фанатам. Если вникнуть в тексты, не перестаёшь поражаться, как точно и чётко Тайлер описывает то, что ты не в состоянии иногда сказать. Чего только стоит трек «Neon Gravestones», показывающий взгляд на славу. Это песня о том, как люди начинают прославлять известных людей после их смерти, а так же о мнении Тайлера по поводу самоубийств. Это один из самых важных и мощных треков для меня на альбоме. ⠀ Альбом совершенно не соответствует уровню предыдущих альбомов, но это НЕ плохо. В этом альбоме ты находишь самого себя. Свои собственные мысли, свои собственные страхи, неуверенность. Осознаёшь, насколько ты связан у себя в голове со всем этим. Не многие исполнители настолько близко подобрались и отобразили через себя, свои тексты и свою музыку то, что ты чувствуешь, то, с чем ты борешься каждый день, и именно этому twenty one pilots смогли заработать такую масштабную аудиторию. Если Blurryface был слишком ярко и одновременно мрачно окрашен музыкально: группа использовала множество всевозможных фишек, чтобы мелодия звучала интересно и разнообразно, - то в Trench создаётся ощущение выхода, пути: песчаной жёлтой дорожки, по которой обязательно стоит пойти, не раздумывая. Музыка в альбоме намного сдержаннее и спокойнее, а неиссякаемая чувствительность Тайлера, просачивающаяся сквозь его невероятную лирику, является самым главным преимуществом twenty one pilots. Единственным ярким вокально и музыкально треком в альбоме является «Jumpsuit», открывающий альбом. Помимо текста, самое цепляющее в песне — это крик Тайлера, на который, при первом прослушивании, я сразу же обратила внимание. Это своеобразный переход из предыдущих альбомов в новую эру, потому что на старых альбомах (особенно в самом начале), Тайлер невыносимо больно кричал, и это каждый раз разрывало мне сердце. Далее в «Trench», кроме первого трека, больше нет душераздирающего крика Тайлера, - ты больше не услышишь в альбоме подобной «жестокости»: всё будет мягко, относительно спокойно и мелодично. Если Blurryface заканчивался разрывающим душу и сердце «Goner», то Trench - это оптимистичная «Leave the City» просто мягко и нежно растворяющаяся… Это как сидеть после невероятного финала перед потемневшим монитором и видеть своё удивлённое лицо.

5/5

Вам хочется чего-то лёгкого и свежего? Хочется, чтобы песня играла где-то поодаль, не настаивая на своём присутствии? При этом хочется, чтобы настроение поднималось? Энергичная атмосфера сочеталась с чем-то нежным, посыпанным любовью, сладкой ватой, мечтами и мягкими пушистыми облачками? Тогда группа Oh Wonder – это то, что Вам нужно! Однажды я писала об Oh Wonder, но, кажется, удалила этот пост (и правильно сделала). Новый альбом, вышедший год назад, будет новым стартом для меня в изучении этой группы, за которой я следила с момента её появления, потому что этот дуэт уж очень заинтриговал весь мир. ⠀ Oh Wonder – британский инди-поп дуэт, образованный в 2014 году. До выхода их первого одноимённого альбома «Oh Wonder» в 2015 году, группа выпускала треки синглами в течение года, сохраняя полную анонимность, чем подогрела интерес публики задолго до официального выхода альбома. «Oh Wonder» имел огромный успех, так что неудивительно, что новый альбом вышел всего через два года, получив название «Ultralife». Альбом состоит из двенадцати композиций, а обложка альбома — просто фото самого дуэта, без какого-либо пафоса или излишеств (без стиля «лучший рэп-альбом года»). ⠀ Открывает альбом трек «Solo», который имеет довольно долгое вступление, что я испугалась, что это очередная интерлюдия, но песня удивила большим количеством текста и метафор в нём. В начале песни слышны звуки «большого города»: шум улицы, сигнализация, кажется, полицейской машины, даже показались какие-то голоса — это очень интересный нюанс, так как песня описывает состояние хаоса вокруг нас, состояние, когда жизнь кругом кипит, и тебе необходимо немного притормозить и ощутить «solo», то есть, побыть в одиночестве, наедине с собой. Песня имеет приятный, успокаивающий темп, и мне очень понравились строчки «I'm breathing in and I'm breathing out», которые дуэт поёт хором где-то на заднем плане композиции. Эти строчки кажутся такими простыми, но одновременно как внезапно открывшаяся истина — стоит иногда остановиться и просто отдышаться. ⠀ В честь трека «Ultralife» и назван альбом, и это было лучшее решение, так как это лучший трек на альбоме. В нём идеально абсолютно всё: от голоса исполнителей и музыкальных инструментов, до выбора темы и мелких деталек вроде вовремя выдержанной паузы в исполнении трека. Невероятно красивая песня о любви, не скатывающаяся во что-то унылое и страдающее, а наоборот восхваляющее это чувство с потрясающей яркой энергетикой и великолепной лирикой. Чего только стоит фраза «I got so much soul inside my bones», которая звучит как аллитерация (могу ошибаться), про которую я не вспоминала со школьных времён. Песней «Lifetimes» группа стремится показать нам, что они способны делать разножанровую и разнообразную музыку, отступившись от привычного музыкального шаблона и типа стихотворений, поэтому очень смело кидают нам этим в лицо с первых же секунд трека. Неожиданный речитатив Энтони, которого обычно всегда заглушала Джозефина, приятно удивил, потому что до этого мне казалось, что подобное вряд ли подойдёт для групп такой мелодичной музыкальной тематики. Трек «High on Humans» слегка позабавил. Сама композиция переводится как что-то вроде «в кайфе от людей», при этом во вступлении присутствуют голоса, похожие то ли на «неживую», заученную нарезку слов дикторов, то ли на озвучку гугл-переводчика, повторяющих строчку из припева «I'm getting high on humans». Песня может стать своеобразным гимном для экстравертов: очень точно описывает ту спешку, что присутствует в жизни, ту энергетику, которую может принести человек, просто пройдя мимо, и призывает не прятаться и не убегать от людей. Мне, если честно, непонятно, как можно любить людей, потому что всё, что я делаю в жизни, - это убегаю и прячусь, но песня довольно ритмичная, одушевляющая и вдохновляющая, и заставляет меня задуматься. ⠀ «All About You», несмотря на свою мягкость и слегка прослеживаемую джазовую мелодичность, бьёт со всей силы прямо по лицу своим текстом. Песня осуждает жадность, высокомерие, сетуя, что люди этим грешны, и дуэт тошнит от подобного поведения. При этом группа обвиняет человечество, умудряясь плавно обходить острые углы, чтобы не напороться на агрессию, потому что, лично я, восприняла этот трек на свой счёт, хоть он ко мне не относится, но при этом не обиделась, а задумалась. Песня тоже подсуетилась и предоставила вопросы для размышления: «Where is your heart? Where is the truth?». ⠀ Началась пора в альбоме, когда без треков о любви не обойтись. Одно дело, когда весь альбом одинаков и на одну тему (что от Oh Wonder в этом альбоме я пока не наблюдала), другое дело, когда любовную тематику раскрывают со всех сторон, и, даже если вы не фанат подобной темы в песнях, всё равно приятно отхватить парочку красивых треков. «Heavy» вот о любви, но при этом всё равно выделяется на фоне других треков. Хотя бы клипом, где Энтони и Джозефина без каких-либо излишеств и пафоса просто танцуют под этот трек. Лирика на мой вкус немного страдает — у них есть треки с более сильными и мощными словами на ту же тематику, но при этом песня вытягивается музыкально. Даже банальное «da dee da de» (попросту те же «ла-ла-ла») здесь невероятно к месту и очень сильно цепляет. Трек вбрасывается нам в лицо с первых секунд, при это почему-то не пугает, а наоборот заставляет замереть и произнести «I could be the only, I could be the only one» вместе с Джозефиной. Треки «Bigger Than Love», «Heart Strings» и «Slip Away» очень легко потерять на фоне остальных треков, которые гораздо сильнее и мощнее, чем эти. Все эти треки — классические баллады, описывающие так или иначе чувство любви, единственное, что песня «Bigger Than Love» замахивается на более сильные эмоции, какие-то невероятные отношения и любовь, настолько мощные, что они «сильнее, чем любовь», но при этом заставляет задуматься о вреде такой любви. Я уже и не помню, что такое любовь, особенно, такая невероятно сильная, поэтому к этому промежутку альбома я потеряла интерес, хотя треки всё равно провернули в голове пару шестерёнок. «Overgrown» рассказывает о поддержке («Я ни за что тебя не брошу», «Я не могу веселиться, если тебе грустно», «Я сорву звёзды с неба, чтобы тебе стало светлей»), а так же о трудностях, с которыми приходится сталкиваться, когда ты пытаешься оказать подобную поддержку («Я не обидел_а тебя?» «Всё ли я сделал_а правильно?»). Когда предыдущая песня об оказании поддержки, «My Friends» рассказывает о поиске этой самой поддержки. Трек использует стиль «нарастания», когда от грустного меланхоличного вступления плавно перерастает в нечто медитативное, покрытое слоем надежды и мечтами. Невероятно красивая печальная мелодия, поначалу состоявшая практически из одного фортепиано, очень сильно отпечаталась у меня в сердечке. Закрывает альбом песня «Waste» с чудесной лирикой, но очень странной музыкой. Мелодия действует на нервы, это «бум-бум-бум» бьёт по мозгам, и ты безнадёжно думаешь, что вот сейчас это всё кончится, трек выйдет в мощнейшую кульминацию всё с тем же эффектом «нарастания», раскачается — и всё это будет большим и красивым взрывом фейерверка, но….ничего не происходит. Песня просто обрывается и оставляет какое-то странное и непонятное чувство, словно тебя обманули, и ощущение незаконченности. ⠀ В целом альбом оставил очень положительные эмоции, чувство воодушевлённости и окрылённости, заставил о многом задуматься, но вот этот обрыв, эта незаконченность, что присутствует в финальном треке, оставляет маленькую долю разочарования. Мне не хотелось ощущения законченности как группы, но хотелось окончания истории, что Oh Wonder пытались показать в этом альбоме, а так теперь и не знаешь, как реагировать на подобное, потому что такое резкое окончание заставляет искать что-то ещё и где-то ещё. Чем мне нравится эта группа, так это тем, что даже самую жестокую, самую отбитую историю в стиле кровавых фильмов Тарантино, эта группа может превратить в красивую, невероятно приятную на слух детскую сказку, и, слушая Oh Wonder, ты сам становишься мягче и задумываешься о вещах, которые раньше казались такими мелочами, - это очень важно в наше время, оставаться человеком и дарить и замечать любовь.

В один из прекрасных весенних месяцев, задолго до официального выхода альбома, мне невероятно понравился сингл этой группы. Настолько понравился, что я обещала послушать этот альбом, и всё понять не могла, как же это я не слышала об этой группе раньше? У меня есть смутные ощущения, что я всё-таки слышала или как-то пересекалась с группой при просмотре боёв WWE в своё время, но полной уверенности и какой-то конкретики в этом нет, а желания переслушать всю их дискографию пока не возникает. Итак, знакомьтесь, кто не знаком: Parkway Drive – австралийская металкор группа, образованная в 2002 году. Это, собственно, всё, что мне о них известно, потому что я обещала себе не наводить справки, чтобы не портить впечатления и судить только музыку в своём стиле «ничего не понимающего в музыке человека» (вдруг что-то было в их биографии, что повлияет на моё мнение?). ⠀ Альбом состоит из десяти треков, что вполне для меня стандартно для вообще любого альбома. Пластинка получила название «Reverence», что в переводе означает «благоговение», «почтение» и иже с ними. В качестве обложки альбома была выбрана картина Рубенса «Падение проклятых», что вкупе с названием пластинки и эмоционально-личным посылом в ней, обложка очень даже вяжется и заставляет схватить парочку эпизодов экзистенциального кризиса, - о общем, всё как я люблю. ⠀ Открывает альбом трек «Wishing Wells» сразу завлекая к себе таинственными шагами и криками ворона. Голос вокалиста, приглушённый, почти опустившийся до шёпота, сразу напоминает то давно забытое мрачное настроение, что давала мне готика в своё время, да такое, что рука сама тянется за томом полных сочинений Эдгара Аллана По. И вот, пока ты оглушен воспоминаниями и пытаешься осознать, туда ли ты пришёл, вокалист своим голосом разбивает вдребезги сформировавшуюся в голове готическую идиллию и начинает вымещать на ваших ушах всю свою злость. Мне, если честно, не нравится последующий ритм, что последовал после тёмного «готического» вступления, так как настолько сильная лирика этой песни не особо располагает пуститься в пляс, а из-за музыки такое желание появляется, да ещё и ко всему прочему, потрясти юбками хочется, чтобы совсем всем неловко стало. ⠀ Название альбома, картина Рубенса, основное творчество которого постоянное «поклонение» кому-то там, тематика «убийства Дьявола и Бога» из предыдущей песни и следующая со своим названием «Prey» укрепило мнение, что меня ожидает очередной религиозный альбом, и знали бы вы все, КАК я не люблю эту тему. Если, конечно, тема не раскрыта со стороны «бог нас предал, поэтому мы его ненавидим», тогда я согласна даже на два альбома. Парочка песен у меня есть в плейлисте на натурально религиозную тематику чисто «для спасения души», в которую я не верю, но целые религиозные альбомы кидают меня из крайности в крайность: от недоумения до восторга, так как религиозные срачи — самые эпичные. Группа, конечно, не опустилась в таком жанре до пения псалмы, а наоборот ушла на очевидную для всех сторону: мы все жалкие эгоистичные людишки, и если молитва — это ваше спасение, то лучше бы начать молиться. Сама песня тоже не особо впечатлила меня, правда, понравился «эпизод» в тексте, где вокалист стоит с топором за моей спиной (особенно это прикольно слышать, зная, что данный пост пишется в 04:58 утра). Песня «Absolute Power», третья в альбоме, подкачала слегка своим маленьким припевом, но целиком и полностью оправдала посылом, который несла. Песня о разных видах власти, коррупции, об иллюзиях нашей якобы свободы, где нас заставляют выбирать из двух зол самое меньшее, но разве это похоже на свободный выбор? Песня не станет моей любимой, так как в мощный куплетах нам в красках рассказали, как всё плохо, но при этом в припеве нет совершенно ничего вдохновляющего и мотивирующего, чтобы побороться с несправедливостью мира. Лишь злость. ⠀ Я повторюсь: предыдущие альбомы мной не слушались, поэтому я слабо представляю, какой была группа раньше. Но я уверена в двух вещах: во-первых, группа, разумеется, была раньше тяжелее. Даже если мне кажется, что с «тяжестью» и сейчас не всё так плохо, то срачи под альбомом не дадут сформировать иное мнение. Во-вторых, вокалист явно либо не пел, либо редко пел чистым вокалом, который в этом альбоме навалом. Почему я так решила? Просто потому, что его голос не очень подходит для чистого вокала. Поэтому меня так сильно вынесла «Cemetery Bloom», которая, мало того, что совершенно спокойная, даже когда входит в кульминацию, так ещё и (внимание!!!) хоровая, где вокалист просто прочитывает довольно сильно западающий в душу текст, что в который раз заставляет удивляться лирике этого альбома и нещадно хвалить её. Даже для меня, не очень знакомой с творчеством группы, песня слегка неподходящая, особенно от того, что находится практически в середине альбоме. Это просто неудачное место для неё или такой душевный переход в альбоме? Особенно эта песня кажется неуместной на своём месте, когда после неё внезапно включается та самая «The Void», - самая сильная для меня песня на альбоме. С довольно слабеньким и примитивненьким текстом про демонов в цепях в твоей голове, которых ты никогда не сможешь победить, и вся жизнь — это боль, песня всё равно остаётся самой мощной, с запоминающимся текстом, благодаря именно той простоте, и интересным мотивом. Всё бы отдала, чтобы услышать её вживую из зала, но идти ради неё на концерт, как -то совсем не вариант. Следующая песня под названием «I Hope You Rot» тоже напомнила мне старые, добрые готические деньки, особенно ощущение усилилось, когда в припеве попёрла какая-то корявая латынь, потому что вроде как это часть фразы, но в припеве только её кусок. Хотя, возможно, я уже забыла ту малую часть латыни, когда увлекалась и учила её, поэтому это может оказаться вообще какой угодно язык, и я опять всё перепутала. В любом случае, песня, даже если проигнорировать корявую латынь, может я спятила, но местами напоминает мне что-то похожее «hard rock hallelujah». Вступление «Shadow Boxing» забрало из меня всю последнюю душеньку, заставив задуматься, а тот ли это вокалист, что орал все предыдущие шесть треков и продолжил орать в этом, при этом в начале спел таким душевно-открытым голосом? Даже заставило передумать про мои слова, что вокалист не «могёт» в чистый, но оказалось, что я ошибалась. Правда, если бы все треки пелись таким голосом, говна на пластинку вылилось ещё больше, раз грубый, жёсткий голос во всех остальных треках — это для них голос ангела, но для разнообразия услышать такую сторону вокалиста было приятно, опять же, учитывая, что я не знакома с предыдущим творчеством. Возможно, это вообще не он даже поёт, но мне всё равно этот трек понравился почти так же сильно, как и «the void». А интерлюдия со скрипкой слишком мала, но бесконечно чудесна, люблю скрипку. Вот она та самая обоснованная (или нет?) агрессия, недвусмысленно (или да?) подходящая как разнос для хейтеров. У любого исполнителя любого жанра есть песня в подобной тематике, здесь это оказалась «In Blood». Песня красиво и с душой посвящена «всем тем, кто стоит у нас на пути», в которой так же красиво и откровенно написано, что это группа не шутки шутить пришла. После всего пережитого в их жизни, после всех потерь и неудач не стоит вставать на их пути, так как ушатан будет каждый. Текст песни довольно банален, то есть, в жанре для ненависти попробуй сказать что-нибудь новое про ненависть, да к тому же в самой музыке и голосе мне показалось маловато той самой агрессии, которую хочется слышать при прослушивании подобных песен. Следующий трек заставил подумать. Если бы не название песни - «Chronos» - я бы, если честно, не догадалась, о чём эта песня. Да и сейчас могу лишь предположить, что нас, скорее, склоняют к персонажу и его переживаниям, а не отождествляют всё пройденное в альбоме с собой, а единственная важная и нужная валюта, что у нас есть — это никакие не деньги, а время. Я подумала обо всём этом, фокусируясь только на названии, но текст песни слабо соотносится с моими мыслями, так что это просто что-то очень агрессивное и непонятное. И долгий проигрыш в конце песни только сильнее отталкивает от неё. ⠀ Финальная песня «The Colour Of Leaving» словно возвращает нас к началу альбома: вновь слышны эти кладбищенские шаги. Не будет никаких криков, никакой агрессии и тяжёлой музыки, только сквозь печальную музыку прорывающиеся звуки раскапываемой могилы. Больше всего с названием пластинки связана именно последняя песня, особенно это становится очевидным даже не после текста песни, призывающим ценить каждое мгновение, что у тебя есть, чтобы не пришлось страдать, когда потеряешь и разобьёшь всё вдребезги, а финальная фраза, запиханная мной в эпиграф. И персонаж покидает нас под редкие вскрики того же ворона, оставляя задуматься над произошедшим и сказанным.

Будем честными — Panic! At the Disco уже давно не относятся к задорному поп-панку, которым был в 2005-2007 годах, и этот сольный проект Брендона Ури уже давно не делается для молодёжи, спускающей все свои деньги на то, чтобы купить журнал с плакатом. Более того, новый альбом, получивший название «Pray for the Wicked», уже даже не претендует на серьёзность. Не то, чтобы «паники» когда-то были серьёзными, но Ури иногда мог выдать сильнейшую балладу, теперь же это всё превратилось в одно большое шоу с блёстками и цветастыми пиджаками, а сама пластинка перестала дотягивать даже до 35 минут по хронометражу, и это учитывая, что песен там одиннадцать, что вполне реально растянуть минут на сорок. Укрепилось ощущение, что Брендон несерьёзно относится не только к своей музыке, но и к своему слушателю, особенно, это видно по этому альбому — пластинка не рассчитана на тех, кто слушает музыку головой, вникая в каждую ноту, - это вечеринка, «арт-объект», шоу — он старается не усложнять, потому что призвание его музыки лишь развлечение. Я не против развлечения, не против лёгких и не напрягающих поп-альбомов, но в этот раз всё кажется откровенной халтурой. ⠀ Как я уже несколько раз сказала выше, «Pray for the Wicked» - это шоу, причём, как мне показалось, с замахом на бродвейские мюзиклы в искажённой манере, свойственной Брендану. Альбом многословен и отдаёт юношеским максимализмом, при этом почему-то не оставляет послевкусие эгоизма, самонадеянной автобиографии или какие-то запредельные амбиции. Вокально альбом остаётся на уровне — Брендан всегда мог брать невероятной высоты ноты, даже когда это было лишним и не требовалось, его сложно было заткнуть, при этом не теряя самоиронии и как бы «комментируя» подобный вокал с помощью эпизода в клипе «Say Amen (Saturday Night)». Весь альбом вокально сделан таким образом, чтобы это звучало максимально эпично на стадионных площадках, и, я уверена, так оно и есть. ⠀ В этом альбоме Брендон откровенно издевается. Если в предыдущих альбомах он старался обходить острые углы и делать это завуалированно, исподтишка, насколько был способен, то сейчас он показывает «средний палец», одетый в свой самый яркий пиджак со стразами и выпуская в свете софитов стаю шикарных белых голубей, окружённых перьями, фейерверками, блёстками и конфетти. Особенно это заметно по песне, открывающей альбом. «(Fuck A) Silver Living» швыряется нам в лицо с первых секунд альбома и похожа на какую-то истерику избалованного ребёнка. Сам альбом похож на «новую эпоху», словно времена «Death of a Bachelor» закончились и началась новая эра, единственная песня, напоминающая нам о «старых добрых деньках» - это «Say Amen (Saturday Night)», так похожая на то, что раньше исполняли «паники», при этом пластинка не конкретно «новая эпоха», а скорее мост, который подготавливает нас и ведёт к чему-то новому. Заключительная песня «Dying in LA» - эмоциональная баллада, казалось бы, должна выбиваться из общего настроения альбома, но всё равно выглядит такой же глянцевой и яркой, как и остальные треки пластинки. «Panic! At the Disco», несомненно, умеет устроить шоу, но мне так не хватает какого-то эмоционального взаимодействия, глубины и душевной откровенности с этой группой. ⠀ Конечно, сложно не заметить религиозную тематику, протянутую яркой красной нитью через весь альбом, начиная от очевидного названия альбома и текста песен, заканчивая разнообразными духовыми инструментами и хором. Это не новая тема в творчестве «паников», она была всегда, и это довольно очевидная тема для человека, выросшем в «городе грехов» и переехавшим в «город ангелов». В этом альбоме он объединяет вместе два эпизода своей жизни, и на выходе получается нечто подобное. Очень много музыкальных групп и бродвейских шоу явно повлияли на этот альбом. Это сильно заметно, и сложно обвинять Ури в каком-либо плагиате, если сходства никак не спрятаны и не завуалированы. Вот только индивидуальный шарм может иметь свойство изнашиваться со временем, и уже сейчас «Pray for the Wicked» навивает на мысли, что это всё же халтура, чем полноценный альбом, которым можно гордиться. Я правда очень надеюсь, что не ошиблась, и это всё-таки своеобразный мост, который в скором времени приведёт нас во что-то невероятно эпичное, и Ури снова восстанет из пепла «паников», как уже делал это однажды.

С творчеством певицы Lorde я познакомилась, наверно, как и все, в бум её известности, и уже тогда поняла, как сильно она мне не нравится. Она напоминала мне Лану Дель Рей, которую я честно всеми способами пыталась понять, почувствовать её творчество, так любимое всеми моими друзьями с тонкой душевной организацией, но никак не могла. С Лорд у меня похожая ситуация: её голос мне неприятен — с этими странными звуками, будто её губы слишком большие для её лица, поэтому она произносит слова словно не открывая рта, а музыка слишком перегружена всевозможными эффектами, что иногда невозможно поймать ритм, иногда кажется, что ритма и вовсе нет, что музыка не подходит к песне. С предыдущим альбомом Pure Heroine моя уверенность в этом только укрепилась, поэтому узнав о Melodrama я восприняла всё как-то скептически. Лорд всегда отличалась невероятными текстами — в этом её талант я признаю, это было видно ещё по Pure Heroine. Для тогда ещё семнадцатилетней девушки она оказалась удивительным психологом с открытым сердцем, откровенными мыслями и добросердечно-соседским отношением, хоть и покрытыми странными неподходящими битами, но с другой стороны, простота в музыке с её специфичностью тоже не совсем уместна, ведь иногда — чем проще, тем лучше. Сама Лорд кажется очень интересной личностью, её стихи и то, как она сама себя преподносит, вызывает нескрываемый интерес, но музыка её меня никак не могла впечатлить, а что может быть хуже для певицы, если её творение уходит куда-то в пустоту. ⠀ Всё началось с трека «Green Light», который вышел синглом и взорвал не только все чарты, но и меня лично. Я написала о нём в метке «песня месяца», но решила, что не стоит бежать вперёд паровоза, и строить надежды и планы на будущий альбом, зная, сколько раз я разочаровывалась. Сначала я ждала выхода альбома и отзывов на него тех людей, вкусу которых я доверяю, но их мнения разлетелись из крайности в крайность: одни призывали не слушать, другие говорили, что это, возможно, лучший альбом 2017 года, и такие отзывы меня смутили, хотя я точно знала, что когда-нибудь я послушаю Melodrama. Потом я ждала, когда моя драма в жизни уляжется, и мне захочется чего-нибудь такого, но подходящее настроение не наступало. И, наконец, я поняла, что безвылазно нахожусь на работе, и у меня попросту нет времени что-то слушать или смотреть, поэтому просто закачала всё, что давно висит в списке, и попросту заставила себя. А вот заставить себя написать пост — совсем другая история. Обложка альбома представляет собой самую настоящую картину — как по мне, произведение искусства, идеально вписывающееся в стилистику альбому. Мне нравятся тени и использованные цвета, нравится, что на картине изображена сама Лорд и как она изображена. ⠀ Открывает альбом тот самый трек «Green Light», так впечатливший меня тогда. Лорд предстаёт перед нами совершенно в ином амплуа, вдребезги разрушив тот странный образ инопланетной девочки, постоянно сидящей дома с книжкой. Внезапно жизнеутверждающий трек имеет адекватный ритм, без привычной Лорд сломанности. С небес на землю нас спускает трек «Sober», который «сломан» в стиле Лорд, но, что удивительно, звучит очень цельно, Лорд сама своим голосом проталкивает трек вперёд и заставляет песню звучать, игнорируя эту ломанность. В песне описывается весёлая вечеринка, которую бесконечно пронизывает один очень важный вопрос: «а что мы будем делать, когда протрезвеем?», ведь сейчас всё так хорошо и весело, а что потом? А потом…. А потом, я перескочу на седьмой трек в альбоме, который носит название «Sober II (Melodrama)», та самая мелодрама, рассказывающая, что же будет дальше. Но ничего дальше не будет. Такие вечера проходят стремительно быстро, остаётся лишь страх, ужас и попытки вспомнить, кто же ты на самом деле и чувствуешь ли ты всё то, что чувствовал в ту ночь, до того, как протрезвеешь. Третья песня «Homemade Dynamite» является, наверно, одной из моих любимых на альбоме, хотя поначалу она показалась мне какой-то совершенно немузыкальной. Из-за таких песен, особенно подобных вступлений, иногда кажется, что Лорд совершенно не знает или не понимает, как должна звучать написанная ей же песня, но потом она произносит d в слове «динамит» так, словно чиркает спичкой, и поёт о самодельном динамите, с помощью которого неумело и грязно взорваны отношения, и всё становится на свои места, что каждая её перемена тона от шёпота до высоких, несвойственных нот, идеально ложится на трек. ⠀ Четвёртая песня «The Louvre» умудрилась вместить в себя невероятную простоту и удивительную уникальность Лорд, и эта песня проникает куда-то внутрь. Лорд этого и добивалась, прикладывая микрофон к своему сердцу и надеясь, что все будут танцевать под биение её сердца, хоть песня и не располагает к танцам, как это принято, но заставляет проникнуться её эмоциями и раствориться в них. Шестой трек «Hard Feelings/Loveless» состоит сразу из двух композиций, причём, это не просто мешап, а два самостоятельных новых трека, и я, если честно, не люблю такой приём, так как редко из двух отдельных треков можно сделать что-то дельное, да и зачем это делать? Почему нельзя выпустить две самостоятельные композиции? Естественно, трек длится шесть минут, причём четыре из них занимает первая его часть. Разрыв между «Hard Feelings» и «Loveless» ощутим, если бы я слушала, не смотря на название следующего трека, то ни за что бы не поняла, что это якобы один трек. «Hard Feelings» - полноценный трек, и Лорд поёт всё о том же расставании, и как ей больно, даже зима в её тексте символизирует тот самый холод, когда ты остаёшься один. Вторая часть «Loveless» напоминает те треки сильных и независимых женщин восьмидесятых в стиле «love is a battlefield», но в целом сам трек звучит как интерлюдия, где она внезапно меняет своё мнение. Ей больше не больно, она разозлилась. Печальная «Writer in the Dark» становится восьмой песней, где Лорд косвенно рассказывает, как её популярность разрушила их отношения, что она всеми силами старалась сохранить эти отношения, но ничего не вышло. Тема альбома была ясна ещё с самого начала, и теперь после метаний из крайности в крайность, от любви до ненависти, даёт слово всем, кому только возможно, что справится и сможет жить без этого человека. «Supercut» своеобразная нарезка, когда наснимали очень много всего за день, а потом ужали это всё в один клип. Вот и Лорд тоже поёт, что вспоминая человека, она видит в голове нарезку из ярких моментов и мечтает, что хотя бы в голове она всё делает правильно. Песня состоит из очередных повторов текста, коих много в этом альбоме, но почему-то бросающиеся в глаза только под конец, да и сам трек скорее направлен на радио, чем для души. Несомненно, это самая сильная баллада, написанная Лорд. Хоть практически весь альбом состоит из чего-то похожего и давит на все эти больные места, «Liability» является самой откровенной, самой честной её песней, где она рассказывает всё, что чувствует, выворачивая себя буквально наизнанку. Она рассказывает о том, что очень много людей отвернулось от неё, когда она стала популярной, что для них она обуза, и им тяжело жить с таким грузом, и что Лорд всё понимает, и, возможно, не каждый из нас так популярен, как Лорд, но каждому из нас знакомо это чувство, когда тебе кажется, что всё стало слишком сложно, и ты только мешаешь. Закрывает альбом трек «Perfect Places», что после утишья в середине альбома, где Лорд целиком отдаётся своим чувствам, эта песня возвращает нас к её ломанности, при этом не теряя откровенности. Это тот трек, где Лорд признаётся, что устала от всех этих пьянок и вечеринок, что просто уже потерялась где-то там. ⠀ Даже если вы, как и я, артачитесь и отказываетесь слушать Лорд, только потому, что когда-то давно вам не понравился её «Royals», то сейчас вы много упускаете. Альбом «Melodrama» стоит послушать ради интересного поиска звука, подхода к музыке и поэзии на уровне «голос поколения». Лорд пишет о взрослых вещах простым языком, создаётся впечатление, будто у неё в голове свой собственный параллельный мир, при этом делится она им с нами доступным нам способом и языком. Насколько я поняла за этот год, признание где-то там в глубинах она получила — альбом вышел целостный, концептуальный, откровенный и искренний, но Лорд не смогла пробиться во все эти чарты с таким же успехом, как это было в Pure Heroine. Более того, остаётся впечатление, что вся эта популярность, исходящая из интервью, больших концертов, каких-то скандалов, интриг и расследований, Лорд попросту неинтересна, но она делает всё это, потому что понимает, чтобы оставаться на плаву и продолжать делиться своим творчеством, нужно вариться во всей этой каше. Пока у неё получается всё так же искренне и чисто.

Альбом состоит из шестнадцати треков, один из которых классическая инструментальная интерлюдия, а другой, открывающий альбом, скорее тоже смахивает на интерлюдию, чем на полноценный трек, поэтому по ощущениям треков на альбоме четырнадцать, что всё равно достаточно много. Альбом получил название «Post Traumatic», что, конечно, сразу выдаёт тематику пластинки. До этого выходил EP с тем же названием, в который вошли три трека, два из которых упоминались мной в метке. В первую очередь стоит помнить, что этот альбом, - целиком и полностью способ Майка справиться с психологической травмой, связанной со смертью своего близкого друга. Повторюсь, это ЕГО способ, человек пишет о том, как ОН пережил эту трагедию, он пишет о СЕБЕ, а не о других. Мне пришлось внести это уточнение, потому что я, пока слушала альбом, столкнулась с парочкой нелестных комментариев: «он преувеличивает», «сколько можно ныть?!», «пора бы уже двигаться дальше», «да вы просто пытаетесь заработать на смерти Честера всеми этими концертами памяти!!»… Без подобного, конечно, не обойтись, - это естественная реакция человека на долгое страдание, которые для них просто превращается в бесконечное нытьё, вроде, - «ну соберись уже наконец!». Чтобы понять, нужно самому однажды пройти через такое, чего никому не пожелаешь. Мне кажется, именно эта беспардонная способность людей писать весь мусор, что у них в голове, подтолкнула Майка превратить свой EP в полноценный альбом. ⠀ Открывает альбом двухминутная «Place To Start», которая пролетает настолько быстро, что не кажется полноценным треком, а той самой вступительной интерлюдией. В этом треке Майк задаёт вполне резонные вопросы, вроде, что же делать дальше, неужели потеря близкого человека настолько может вынести почву из под твоих ног, что ты просто теряешься где-то в этом непонятном вихре событий, является ли реальность реальной, сможет ли он жить дальше… Заканчивается трек сообщениями от друзей и знакомых на автоответчике Майка со словами поддержки, и в этот момент пробегают мурашки, и ты понимаешь, что путь через весь альбом не будет лёгким для меня, придётся продираться долго и мучительно. ⠀ Вторая песня «Over Again» понравилась мне сразу. Песня прямо рассказывает, что было после, и как группа готовилась к шоу в память о Честере, о том, как все были разбиты, волновались, постоянно переписывались. Трек пытается рассуждать, что же делать дальше, как же поступить. Майка пробирает злость, он не понимает, как поступить. Поэтому трек начинается очень мелодично и мягко, но ближе к финалу бит и читка становятся всё злее, сам трек набирает «громкость», становится чуть тревожнее — Майк полусрывающимся голосом выдаёт все свои эмоции. С одной стороны, он должен достойно попрощаться со своим другом, устроив масштабный концерт, потому что популярность давит со всех сторон, но в то же время не понятно, надо ли ему это или это нужно миру. Строчки песен застревают в горле комом, и начинает казаться, что это никогда не кончится, что ты так и будешь бесконечно прощаться, и боль тебя не отпустит. Майка злят вопросы о том, что он собирается делать дальше, а так же, я думаю, он недоумевает, что плохого в том, что он пытается написать и создать хоть какое-то подобие сольного проекта, потому что Linkin Park – был работой всей его жизни, и просто занять место Честера, не выразив скорбь своим способом, - отвратительно и бесчеловечно, но при этом он сам понимает, что и близко не находится рядом, как бы не старался. Но самая главная тема трека — это попытка создать некий «ритуал прощания», который ты повторяешь с надеждой, что станет легче, что это поможет и отпустит, но в итоге получается, что ты повторяешь всё это снова и снова, снова и снова... ⠀ «Watching As I Fall» так же полна злости и достаточно прямолинейна, но трек меня не сильно зацепил. Про «Nothing Makes Sense Anymore» я писала в метке «песня месяца», когда трек только вышел. Песня впечатлила меня до глубины души. Невероятно душераздирающая трек, текст которой описывает то отчаяние человека, потерявшего кого-то близкого, то самое чувство, когда словно «потерялся где-то под океанскими волнами». Песня описывает это ощущение, когда изменилось всё, но тебе не выдали инструкцию, что и как с этим делать, забрали весь контроль и оставили просто дрейфовать. При этом песня создаёт совсем лёгкое и отдалённое ощущение, что после неё последует попытка найти нужное и верное направление, чтобы попробовать восстановить этот потерянный контроль. Пятый трек «About You» выражает страх о том, что будет дальше с творчеством конкретно Майка, потому что всё, чтобы он не писал, чтобы не собирался написать, это всегда будет автоматически интерпретироваться в попытку справиться со смертью друга. И это действительно так, потому что фанатские теории бессмысленны и беспощадны, чтобы артист не говорил и как бы не пытался опровергнуть. Песня с фитом blackbear, про которого я тоже пару раз упоминала в метке «песне месяца». Думаю, фит — эдакая попытка отдалить и подготовить слушателя, что творчество изменится, что лирика в треках не всегда может значить переживания Майка об потере друга. Чтобы ещё больше доказать и «пересечь черту», шестой трек «Brooding» - целиком инструментальный. Я уже много раз говорила, что не особо понимаю прикола в подобных интерлюдиях, но вступление трека напомнило мне настроение от «Life is Strange», так что в душе всё же что-то шевельнулось. ⠀ «Promises I Can't Keep» – очередной трек, описывающий чувство неопределённости в отношении будущего, но следующий трек «Crossing A Line», о котором я упоминала в метке, является словно прозрением, осознанием ситуации, тем самым переломным моментом, когда Майк принимает решение двигаться дальше и формировать своё будущее. Совершенно один, без Linkin Park. Сам Майк говорил об этом треке, что это шаг начать делать что-то рискованное, попытка начать сольный проект с нуля, не используя уже готовые платформы (вроде группы или лейбла). Он понимает, что придётся работать в два раза дольше, путь будет в сотню раз сложнее, и его творчество может не понравится старым фанатам, прошедшим путь с Linkin Park, но Майк считает, что это самое лучшее и правильное решение для него. Далее начинается всё разнообразие альбома, в котором Майк пытается показать себя и свой талант со всех сторон, захватывая множество жанров и стилей музыки. В то время как первая половина альбома была наполнена откровенными эмоциями, вторая её часть немного выбивает из колеи. Лирика второй части альбома сыровата, как по мне, но музыкально есть очень даже интересные решения. Девятый трек «Hold It Together» не блещет текстом, но мне очень нравится мелодичный, хоть и короткий, припев, который застревает в голове. Трек «Ghosts» тоже со слегка страдающей лирикой, зато сама песня танцевальная с забавным клипом, доказывающая, что нельзя скорбеть вечно, и смеяться снова нужно и важно, но заставляет задуматься, неужели оставшиеся шесть треков тоже будут несерьёзными? Но все опасения разбиваются об следующий «Make It Up As I Go». Трек выдерживает ровную грань между «задуматься о смысле жизни» и мягкостью, подходящей для радио. На фите неизвестная мне исполнительница K.Flay с очень интересным произношением. ⠀ Небольшое отступление: в первый раз я слушала альбом, не вглядываясь, как называются песни и есть ли фиты с кем-либо, - просто включила и работала. Поэтому очень удивилась, услышав в треке «Lift Off» знакомый голос со знакомой читкой. Помимо Machine Gun Kelly в треке на припеве какой-то Chino Moreno с очень приятным голосом, красиво вписывающимся в трек. Песня очень сильно оперирует терминами, связанными с космосом, что слегка сбивает с толку, так как сам трек навивает на мысль о наркотиках, словно Майк ищет спасения, пытаясь забыться под кайфом (а кто, как не Келлс, сечёт в этом). Довольно приятное сочетание «парящего» припева с битами и читкой делает трек очень интересным. Трек «I.O.U.» мне не понятен по тексту: довольное сложное и интересное построение, но смысл всего этого не улавливается. «Running From My Shadow» довольно мощный трек с хорошим битом, интересным текстом и «качающей» подачей. «World's On Fire» атмосферный трек, посвящённый человеку, оказавшему Майку ту самую поддержку, которая ему была необходима, чтобы продолжать двигаться, когда весь мир вокруг тебя горит и рушится. Закрывает альбом песня «Can't Hear You Now», неожиданно мягкая и ритмичная, почему-то выбивающаяся из «настроения» альбома и явно не подходящая для его заключения. Текст песни не вяжется с такой мягкой музыкой, подходящей для радио, при этом трек всё равно застревает в голове. ⠀ От альбома остаются странные ощущения. Для такой тематики шестнадцать песен многовато и слушаются довольно трудно, особенно, если вникать и воспринимать слишком близко к сердцу. Но, возможно, так и было задумано Майком, потому что это альбом-путешествие, который необходимо пройти от начала до самого конца, ведь горе — это долгий и тяжёлый путь и, даже несмотря на то, что в альбоме есть эмоциональные просветы, призывающие двигаться дальше, это путешествие далеко не закончилось, - отпустить и забыть такое невозможно. В этом альбоме Майк дал невольный ответ на вопрос «что же дальше для Linkin Park», с которым группа, разумеется, бесконечно сталкивается в сети. Я уже упоминала, что ярой фанаткой группы не была, но даже мне становится не по себе, если Linkin Park перестанут существовать, потому что они всегда были где-то поодаль от меня, сколько я себя помню, и я бесконечно то переставала слушать группу, то возвращалась к ней, но — они всегда были рядом. Никто не хочет распада группы, но «как раньше» уже не будет. Майк просит дать участникам группы время, потому что после такой трагедии очень сложно собраться с мыслями, - всё кажется пустым, бессмысленным и безнадёжным. Дайте время, а потом примите любое их решение, ведь в такие переломные моменты появляются сомнения во всём, что ты делаешь.

Праздник на нашей улице - Wildways, наконец-то, спустя чуть ли не полгода обещаний, выпустили-таки свой новый альбом, который получил название Day X. Фраза «полгода обещаний» заставила меня задуматься, что мы как-то слегка обнаглели, так как есть коллективы, выпускающие что-то новое раз в пять, а то и раз в десять лет, когда парни довольно активны в соцсетях и контакт с ними не теряется, и, мол, как можно что-то так нагло требовать. Но они действительно обещали не что-то мутное в стиле «вас ждёт что-то новенькое», а буквально «в этом году [2017] мы выпустим новый альбом». Ожидание альбома заставило слушателей основательно понервничать: завтраками о выпуске нового альбома нас кормили чуть ли не с начала осени. По крайней мере, альбом был записан уже летом и слёзно обещался быть выпущенным осенью. Затем, конечно, плавающая дата перенеслась на «до нового года мы точно выпустим альбом», а потом ещё, ещё и ещё… ⠀ Толик, вокалист группы, объяснил причину отсутствия нового контента, и там не какая-то лень, а реальные проблемы со звукозаписывающей студией, про которую я теперь в курсе, но тему которой не хочу тут поднимать, потому что всё равно не вижу всей картины. Но эти отвратительные потребительские комментарии в стиле «подавай сюда альбом, живо» никогда не прекращались. Лично я, которой тоже не терпелось услышать новый материал, переключила своё внимание, параллельно заслушивая старые работы группы, и как-то нормально пошло, время пролетело практически незаметно, ведь ребята тоже люди - стоит хоть иногда входить в положение. Четвёртого марта совершенно неожиданно состоялся релиз сингла «Breathless». Ребята не просто так внезапно выпустили одиночный трек или, допустим, его кто-то слил, они выпустили целый клип на песню, о котором мне тоже не терпелось поговорить. ⠀ Альбом вышел двадцать пятого марта, и задолго до этого все тизеры, все постеры и прочая, прочая намекали нам на реальный конец чего-то. Даже слоган гласил: «это конец целой истории?». Надо сказать, даже я знатно напряглась, которая распады коллективов и закрытия сериалов воспринимает куда более спокойно, чем драмы внутри этих самых коллективов и сериалов. Стоило напрячься хотя бы уже потому, что группа сейчас находится на самом пике своего развития: о ней узнают всё больше людей и слушателей становится всё больше, появилось гораздо больше информации о группе, стало в разы больше тупого контента на ютьюбе в виде каверов на их песни и даже нарезок с их фото, когда раньше на вопрос «что это за петухи» было довольно сложно ответить, именно в то время я и потеряла интерес к группе, когда она ещё носила название «Sarah where is my tea», а потом и вовсе пропала с радаров (как потом выяснилось, просто поменяла название и подписала контракт с американским лейблом). ⠀ Так что же это за конец такой? T.Wild (Толик) дал объяснение, и слушатели выдохнули: альбом посвящён теме «что бы вы сделали, если бы узнали, что сегодня последний день для планеты», а попросту - что делать, если конец света будет, и ты знаешь его точную дату. Забавное совпадение, но я читаю сейчас книжку и буквально день в день со словами Толика читала точно такие же рассуждения в книге на точно такую же тему, где персонажи книги тоже задумывались, что бы они сделали. Мне же вся эта тема напоминает тот «прикол» с конвертом, в которой дата твоей смерти. ⠀ Сам T.Wild сказал по поводу темы, что, в принципе, треки все связаны, но связь, если он не будет говорить напрямую о конце света, вряд ли можно уловить. Здесь я соглашусь, что треки как-то связаны, но если абстрагироваться от конца света, сам альбом создаёт впечатление освобождения от чего-то, действительно «конец целой эпохи». Тут я лукавлю, я точно знаю, от чего идёт освобождение. Если для кого-то это и секрет, то я сейчас его раскрою: любое творчество, что Wildways, что сольный проект Толика, связано практически исключительно с его бывшей девушкой, любовь к которой никак не может отпустить вокалиста. Кого-то нытьё Толи уже знатно подзадолбало, меня же скорее всё ещё подогревает любопытство: что же это за девчонка такая была, что так взбаламутила воду. Альбом, конечно, не посвящён ей, это просто адекватный и осознанный отказ от прошлого, готовность наконец-то отпустить и забыть абсолютно всё и двигаться дальше. ⠀ Открывает альбом трек, в честь которого и назван альбом - «Day X». Начало трека до зубного скрежета напоминает мне заставку из хоррор-сериала «Мастера Ужасов» - я прямо вижу эти красные капли крови, капающие на белое полотно. В треке присутствует некое подобие хора (а я уже сотню раз писала: дайте мне хор в песне, и я вся ваша), а крик и экстрим-вокал в начале и на протяжении всего трека вытягивает всю душеньку. Нереально удивила читка в треке и не просто читка, а на русском языке, - вот так вот сразу бросают этим в лицо и шокируют. Правда, парадокс: сам трек кажется довольно коротким, хотя это самый длинный трек в альбоме, и текста мало, от чего он и создаётся ощущение, что его мало, но, тем не менее, всё равно не обделён фишками, которые я написала выше. Да и сам трек - скорее интерлюдия. ⠀ Следующий трек называется «Self Riot» (fuck that shit, let's start a riot!), и он прошёл как-то мимо меня и совершенно не запомнился, хотя в нём наступает развитие темы - бунт перед концом света. Стандартненький трек без запоминающихся или цепляющих фишек, хороший, мощный экстрим-вокал, да и всё как-то на этом. После него пошло мясо под названием «16.9 oz», вновь удивляющий русскими вставками, зато фраза «по уши в дерьме, я по уши в дерьме, ты по уши в дерьме, мы все по уши в дерьме» нашла отражение в сердечке. Стиль трека что-то напоминает, особенно эти моменты читки и эти фразы, произнесённые исковерканным, игривым голосом, но, конечно, я не могу вспомнить, что конкретно напоминает. Жду под этот трек разнос на концерте, хотя бы потому, что экстрим-вокал вдал жару от души. ⠀ Трек «Sarah» служит отсылочкой к прошлому названию группы, хотя людям, знакомым уже только с Wildways, может ничего и не дать это имя. Трек энергичный, тянет попрыгать. Мне ничего особенного не принёс, но с удовольствием пойдёт на концерте. Отдых от бьющей энергии принёс «Skeletons», тот самый, что натолкнул меня на мысль не о конце света, а о конце эпохи, того самого освобождения от прошлого. Ламповый, наводящий на грусть, но при этом всё равно создающий оптимистичную, светлую атмосферу, когда какой-то тяжёлый груз наконец-то падает с души. Трек без экстрим-вокала, спокойный и размеренный, такой тип трека я бы предлагала послушать людям, не любящим вопли в музыке, но не при этом не прочь послушать что-то помимо попсы. ⠀ Отдохнули? Перевели дыхание? Вот вам «Breathless». Трек, как говорилось вначале, вышел четвёртого марта, и мной уже заслушан до дыр. Фраза на русском языке «смотри мечтам в глаза, им есть, что сказать» стала в один ряд с «когда сердце внутри бьётся ровно в такт, я пробегаю сквозь ветер», той особенной фразой, которой заполонили весь интернет. И мне она нравится гораздо больше, чувствую я её сильнее и ближе, чем «бег сквозь ветер», хотя и тот всколыхнул сердечко в своё время. Более того, клип поразил своим посылом: они не просто спели песенку, они внесли смысл, идею, вдохнули новую жизнь в ту вечно избитую тему, что сейчас тяжёлая музыка никому не нужна, когда раньше большинство слушали именно её. Одновременно в клипе поднимается и соотносится другая важная тема. Очень понравился их видок аля 2009 год, когда они ещё ныкались по гаражам и только мечтали стать знаменитыми, что-то прямо меня гордость берёт за моих мальчишек. ⠀ Что меня действительно удивило, так это песня «Sky». Удивила потому, что я не ожидала, насколько сильно она мне понравится, что даже местами обидно, потому что никакого эктрим-вокала и мяса в ней нет, - совершенно спокойная, безумная красивая и по-извращённому тёплая песня, хоть и грустная и о суициде, ведь в день конца мы должны рассмотреть все варианты. Не могу наслушаться голосом Толика, в этой песне он кажется каким-то другим, особенным. Трек «Comfort Zone» снова мне что-то напоминает, но на попытки вспомнить быстро забивается болт, потому что меня мгновенно втягивает ритм песни и создаёт настроение потанцевать в одиночестве в тёмной комнате. ⠀ Ещё один трек, прошедший мимо меня, называется «Puzzle», хотя он совершенно не пустой, и цепляет снова русской фразой «мы живём в ожидании, когда настанет час». Сам трек как-то совершенно не запоминается, но конкретно эта фраза вызывает экзистенциальный кризис. Песня «New Level» вошла в душеньку так же сильно, как и трек «Sky», что в данном случае меня не очень удивило, - я и ждала что-то такое от альбома. Мясо так мясо с замашками на «Faka faka yeah» и «Hell City», если бы у них было бы дитя любви, то это определённо было бы трек «New Level». Тяжело, бешено, агрессивно, дико, при этом с лёгкими замашками на игривость и снова с цепляющим русским текстом. А ещё там есть очень крутой моментик с выкриком. ⠀ Стыдно признаваться, но трек «Lost» вызвал настоящие слёзы. Я такую гамму эмоций почувствовала, которые не ожидала от себя. Рыдала, одновременно удивляясь диапазону вокала Толика, потому что, будем реалистами, так чисто и красиво тянуть он не всегда может. Песня невероятно трогает и встаёт в ряд со «New Level» и «Sky», если не лидирует. Закрывает альбом трек «Up» - ритмичный, энергичный, запоминающийся. Идеальный коммерческий трек, раскачивающий зал и вызывающий гамму положительных эмоций. Отличное завершение альбома. ⠀ Первоначально немного смущает сочетание английского и русского языков, особенно такое количество русских вставок в тексты, потому что в голове всё ещё установка, что всё русское - это зашкварно. Но потом, даже несмотря на установку, русские вставки показались уместными и даже цепляющими. Главное, чтобы знали меру и не опускались до уровня, when говорят like так. Альбом вышел лично для меня более, чем удачным, хоть и вышла мешанина из стилей, которая всё-таки совершенно не звучит как целый альбом, объединённый под одной темой. Даже скорее не так, тема слегка прослеживается, но не имеет каких-то чётких границ из-за разнообразности звучания, от чего создаётся впечатление, что чего-то не хватает. Конечно, для тех, кто пришёл к альбому исключительно за месиловом, ждёт жёсткое разочарование, но при этом в альбоме всё равно удастся найти парочку треков на любой вкус, - именно в этом преимущество альбомов со смешанным стилем. «Слабость» альбома для меня в том, что в предыдущем Into the Wild зашли абсолютно все треки и практически с первого раза, когда в Day X на двух треках меня всё ещё ломает, но это дело поправимое временем и концертами.

Don Broco - английская группа, образованная аж в 2008 году. В основном группе приписывают странный музыкальный стиль, вроде альтернативного рока или даже пост-хардкора, и, может, старые работы такими и были, но новый альбом я бы отнесла к энергичному поп-року. Везде упоминаются несерьёзные, странные и смелые клипы Don Broco, и это является основной их фишкой, так как в клипе сочетается юмор и ужасы. Поэтому, если уж музыка в душеньку не войдёт, с клипов пронестись всё равно можно. ⠀ Группа дразнила аудиторию, начиная ещё с 2016 года, внезапно выпуская синглы и клипы к ним, связанные между собой этим странным мифическим ковбоем. В то время я и познакомилась с группой с помощью сингла «Everybody» и клипа на него. Тогда я настолько сильно впечатлилась и песней, и видео, что точно решила: я обязана познакомиться со всем их творчеством. Конечно, со временем на это было забито. В 2017 году вышел клип на песню «Pretty», и снова офигенная песня и совершенно отбитый клип натолкнули меня на мысли, что группа нереально стоящая, и я обязана, если не послушать альбомы, то хотя бы рассказать об этих двух треках. Для меня очень странно, что эти два сингла вошли в будущий альбом, ведь разница между их выходом составляет год, даже два, - у меня почему-то была уверенность, что треки входят в старый альбом, и мне придётся слушать и его, чтобы упомянуть «Everybody» и «Pretty» в посте. Теперь-то я понимаю, что это было сделано специально, но тогда меня это сильно запутало. Новый альбом носит название Technology и состоит аж из шестнадцати треков - такое количество я не встречала уже давно. ⠀ Открывает альбом заглавный трек, в честь которого называется альбом, - «Technology». Текст песни интересный, но песня всё равно меня не зацепила. Дальше следует не очень умное решение - странный переход между «Technology» и «Stay Ignorant»: немного непонятно, где закончился первый трек и начался второй, и начался ли вообще. Странное ощущение, что трек не самостоятельный трек вовсе, а принадлежит к чему-то другому, является чьим-то продолжением, - настолько нет там никакого ограничения. ⠀ Песня «T-Shirt Song», насколько я поняла, является любимой у самих исполнителей, потому что является самой лиричной и эмоциональной. Само название песни создаёт настроение «покрутить футболкой в толпе», но лично ритм песни не настраивает меня сделать что-то подобное. Вступление «Come Out to LA», четвёртого трека в альбоме, поначалу вызывает ассоциации с какой-нибудь инди-поп-группой, вроде Bastille с эдакими позитивными нотками и всеми этими щелчками, но продолжение сильно впечатлило меня, заставило не только задуматься над тем, каков всё-таки этот настоящий шоу-бизнес, но и насладиться «тяжестью», что присутствует в этой песне, потому что такого по-хорошему сухого и грубого голоса вокалиста я не ожидала, так же не ожидала того, что в песне будут звучать сразу два голоса - фронтмен и барабанщик. ⠀ Песни «Pretty», что идёт в альбоме пятым треком, и «Everybody№, что идёт восьмым, всё ещё являются самыми сильными, теми песнями, что зайдут многим, если не всем. Шестой трек «The Blues» поражает вокально и довольно хорошо раскрывает весь вокальный диапазон вокалиста. Эта способность перехода между сладеньким высоким вокалом с охватом высоких нот к крепкому вокалу, возможно, откроет вокалисту путь к роли одного из сильнейших, узнаваемых голосов в жанре. ⠀ Седьмой «Tightrope» написан в том же стиле, где из энергичной мелодии, заставляющей двигаться, трек плавно переходит в что-то мощное, что вполне себе позволяет устроить резню в зале на их живых выступлениях. Девятый «Greatness» напоминает дитя любви диско и... Panic! At the Disco, в основном благодаря припеву, чем-то отдалённо напоминающего «Victorious». Десятый «Porkies» вновь поражает своим голосом, потому что, расслабившись на фальцете, ты никак не ожидаешь, что вокалист начнёт песню с таких низких нот. Сама песня меня не зацепила, показалось, что такой низкий голос не сочетается с такой несерьёзной мелодией. ⠀ Одиннадцатый «Got to Be You» понравился настолько сильно, что слов нет. Стиль этих старых рок-песен, вокал - всё зацепило меня с первых нот. Двенадцатый «Good Listener» показался некой интерлюдией перед финалом альбома, а это «ууу» хорошо позволяет переключаться в треке, оставляет задор и желание так же подвывать. Никогда не угадаешь, каким будет следующий трек, поэтому расслабившись после предыдущего, тринадцатый «¥ (Yen)» оказался тяжелее. ⠀ Четырнадцатый «Something to Drink» напоминает мне Дикий Запад, и, уверена, очевидно. Трек размеренный, он никуда не торопится, потому что собирается посидеть в баре и подумать. Зацепили паузы между повторами «something to drink» - представлялся пустой концертный зал, где потрясающий с хрипотцой голос вокалиста разносится эхом по помещению. Пятнадцатый «Blood in the Water» возвращает нас с небес на землю и в повествование вновь врывается эта игривость и несерьёзность. Сам трек очень сильно напоминает Fall Out Boy - только длинного названия не хватает. Завершает альбом «Potty Mouth» и сразу затягивает в свой ритм. Меня немного смутили «ла-ла-ла» в треке скорее вместо припева, но потом это становится именно фишкой, и ты уже тоже сидишь и «лалакаешь» под трек. ⠀ Обложка такая же несерьёзная и странная, как и отношение к теме альбома, даже богохульная. Много непонятного в этой обложке, вроде иконы, собачьей пасти и космос на заднем плане, и, может, я бы приняла это как современное и непонятое искусство, но что-то всё равно не располагает обложка к себе. Сам альбом доказал, что группа любит музыкальные эксперименты, не останавливается на одном конкретном жанре и может и хочет сочетать несочетаемое, но альбом всё равно звучит с нотками мальчишества, при этом не задора, а реально какой-то незрелости, что, парадокс, не делает альбом плохим. Группа совершенно не воспринимает слова серьёзно, что идёт им только на руку, а подход с юмором в комментировании современной эпохи социальных сетей с их необходимостью размещать всё в интернете позволяет не загнаться на серьёзной теме, а просто веселиться в этом разнообразии мелодий.

Diablo Swing Orchestra - шведская авангард-метал-группа, активная, по крайней мере так пишут, с 2003 года. Я же про группу узнала в нашем любимом 2007 году, так как моя одержимость музыкой начиналась как раз с подобного симфонического метала, поэтому гордо могу заявить - знаю группу с их дебютного альбома. Но спустя годы подобная музыка отсеялась в смысле того, что старые песни остаются в плейлисте, когда за новинками следить перестаёшь. Да и сама группа, оказалось, не только пропала на пять лет, так ещё и потерпела изменения в составе: ушла вокалистка с тем самым, уже полюбившимся нам, мощным оперным голосом, но всё это я узнала недавно, когда узнала о выходе нового альбома Pacifisticuffs и захотела написать о нём. Я смотрела старые лайвы со старой вокалисткой Аннлуисе и с новой Кристин на одну и ту же песню, и, честное слово, новая версия - как очень плохой кавер, поэтому настрой на альбом был соответствующий. ⠀ Группа исполняет свои песни на итальянском и английском языках, - это немного сбивает меня, потому что, как мне показалось, в новом альбоме они пели по-английски, но я всё равно ничего не поняла, да и с их задорностью заморачиваться над текстом не захотелось. Стиль «авангард» позволяет им использовать в своих треках помимо «обычных» барабанов с клавишами да гитар с бас-гитарами «необычные» всякие скрипки, виолончели, флейты и даже порой сэмплер. После прослушивания альбома почувствовалось, что смена состава достаточно сильно повлияла на творчество группы, но не испортила его. Старые песни, разумеется, не подходят новой вокалистке, но новые песни созданы именно для неё. Конечно, фанаты могут орать, что теперь Diablo Swing Orchestra «нитот, атписка», но соблазнительный, хоть и не такой мощный, голос Кристин, которым она отлично владеет, так же идеально вписался в новый альбом, как стандартный академический оперный вокал Аннлуисе вписывался в старые альбомы группы. ⠀ В музыкальном плане альбом отличный, разноплановый, сложный, с вокалом иногда есть проблемы, но всё равно новая вокалистка отлично вписалась в коллектив. А бесят меня сторонники принципа «я тебя смотрел/слушал, когда ты ещё не родился», те самые олдскульщики, для которых каждый новый альбом, каждое отклонение хоть одной ноты от «нормы», которую они сами себе придумали, - это такой лютый поток г.., что слов приличных не осталось. Господи, люди, вы же Фанаты, сами себя так называете, сами себя так преподносите. Ну как, объясните, как можно настолько плохо отзываться о группе, которую любили и слушали много лет? Не понравиться изменения в творчестве могут - это нормальная практика, но можно же это как-то корректно и обоснованно написать. Для таких людей норма сделать сброс «для меня Diablo Swing Orchestra умер», потому что группа вдруг решила развиваться (как посмела-то! как наглости хватило!) и экспериментировать, даже не теряя при этом свой стиль и атмосферу. Просто фанатам подавай «всё такое же старое, но только новое». Всё это не страшно, на самом деле, просто на место таких неадекватных слушателей придут новые, так это обычно и работает. ⠀ Diablo Swing Orchestra - это абсолютно сумасшедшее смешение жанров и стилей. Музыканты проделали кропотливую и сложную работу в сочетании несочетаемого. Я словила смесь госпела с джазовым кабаре, диско, блюзовый романс, какой-то неясный марш, под который хотелось дирижировать, одновременно с нотками «гавайских» мотивов, и даже танго. Это сложно описать, ибо музыка в этой пластинке настолько непредсказуема, что сложно разбить песню даже на несколько жанров, но несмотря на такую лютую солянку - это получилось дико вкусно и звучит даже себе прилично и свежо. Всё театрально, наигранно, но не переиграно, а самая главная отличительная черта группа, тянущаяся с самого её появления, и являющаяся главной фишкой - это непоколебимая задорность, которую они до сих пор не растеряли. Новая вокалистка слишком манерная, по сравнения со старой, довольно артистичная, но это совершенно ничего не портит, а даже наоборот добавляет красок альбому. Несмотря на всё это, я не скажу, что мне зашло всё с альбома, и я теперь фанатка, так как там много каких-то странных переходов между треками, из-за которых теряешься и не понимаешь, что происходит, и так ли они нужны. Нельзя все треки назвать идеальными, но запоминающимися можно. После пяти лет «молчания» и смены состава группы, такое возвращение считаю успешным.

4/5

OWEL - это альтернативная инди-рок-группа, созданная в Вудбридже, штат Нью-Джерси, в конце 2012 года. Забавно, как такая группа перешла из категории «никогда о них не слышал» в категорию «о боже, эти ребята прекрасны! почему никто до сих пор о них не слышал?!». Я окучивала этот альбом, dear me, аж с сентября месяца, рассеянно приглядывала из-за угла, бесконечно начинала пост и бесконечно его бросала, подкрадываясь мелкими шажками, чтобы быть точно эмоционально настроенной и готовой к отзыву о таком альбоме. Достаточно трудно точно описать, что же отличает OWEL от многих других инди-рок-групп, которые я слушаю. Большинство «обыкновенных» инди-рок-групп имеют эти странные, длинные, затянутые структуры песен, при этом или инструментально очень пышные, с размахом, или загадочно поэтичные и мрачные, но OWEL вызывают ассоциации, словно они большое сладкое пятно на одежде прямо посреди всего этого инди-рок-гардероба. ⠀ Притягательность OWEL заключается в мягкости и неспешном подходе к слушателю, где практически каждая песня альбома начинается медленно, пока не достигнет той самой «точки разрыва» в финале, после чего эта особая «дробящая» атмосфера отзывается мурашками по коже. При этом, послушав предыдущие альбомы группы, я не заметила, чтобы группа начала повторяться. Конечно, в альбоме присутствует пара треков более оживлённых, под которые даже можно немного и приятно потанцевать, но, скорее, это треки «чтобы были», по типу «я ем, чтобы жить, а не живу, чтобы есть», вот и здесь треки скорее не сколько даже для слушателя, сколько для самой группы, чтобы она могла жить. Мягкий тембр голоса вокалиста, полный тонкой элегантности, рассказывает красивые личные истории в каждом треке. Песни альбома относятся к той категории музыки, которая представляется саундтреком в прогулке на велосипеде, это музыка, заставляющая тебя хотеть жить, даже желать большего от жизни. ⠀ Казалось бы, кто вообще открывает альбом медленно тянущимся треком да ещё и в шесть минут длиной, но эта нестандартная продолжительность песен помогает лучше почувствовать трек, переступить через эту странную, своеобразную, местами незнакомую, душевную боль, которая болью по сути даже не является, отчего каждая новая история кажется твоим личным путешествием и тянет в воспоминания о прошлом, будь то любовь или ошибки, разочарования или видения чего-то красивого и умиротворённого. И словно ты всё отпускаешь. Показалось, что на группу оказали очевидное влияние Radiohead с их фишкой в медлительности и длине треков, а так же в текстурах и настроениях многих песен, однако я бы не сказала, что OWEL так же преднамеренно надрывна, и «боль», что ощущается от их музыки, не переламывает на живую все кости, как это делают Radiohead. Более того, размах в количестве музыкальных инструментов, используемых OWEL, скорее напоминают Coldplay, но при этом совершенно не похожи ни на тех, ни на других, ни на третьих, а полностью индивидуальны. ⠀ Альбом словно пылает против искажённого мира с таким стойким спокойствием и умиротворением, что вызывает зависть. Это группа, к которой я неосознанно тянусь, потому что их музыка честная, простая и сложная одновременно, и невероятно милая. Никогда не задумывались, что у большинства исполнителей сейчас попросту нет никакого сердца? Обычно это броское, пустое, «хайпующее» существо, когда, по крайней мере, альбом Dear me, как бы абсурдно это не звучало, является той самой манящей тишиной окружающего мира. ⠀ OWEL, находясь сейчас буквально в индивидуальном положении в моём плейлисте, нашли идеальный способ сделать звук альбома чувственным, без растущих криков и напускной боли, при этом дающий почувствовать всю гамму этих же эмоций и не создающий ощущения притворства перед слушателем. Альбом как бы напоминает, что даже во всём этом безумии, окружающем тебя, всегда найдётся время и место, чтобы найти покой. Окунитесь в этот аккуратный вихрь и почувствуйте спокойствие, даже если вас бросило в хаос. Альбом поможет ощутить это умиротворение.